tag:blogger.com,1999:blog-78262777964564501362024-03-12T17:34:10.206-07:00interquerenciasBLOGS DE JOAQUÍN JOSÉ FERNÁNDEZ DOMÍNGUEZ
Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.comBlogger32125tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-10360557620385618422014-05-02T15:59:00.000-07:002014-05-02T15:59:12.794-07:00FRANÇOISE DORLÉAC EN EL FULGOR DEL INSTANTE FÍLMICO<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9mOtZnTbUpznUfyj3kirK-puQmibdsXWLCAAehNGke0Gvs3uu1EZHxHpQHaLuYePResCVvuE46OtZsEGLq32Q7XYZd_AY_dWLPlhT-16_jC0VIzWul_fY530mnpuZ-BdPEyoc_qJJyfHr/s1600/francoise+dorleac+in+paris.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9mOtZnTbUpznUfyj3kirK-puQmibdsXWLCAAehNGke0Gvs3uu1EZHxHpQHaLuYePResCVvuE46OtZsEGLq32Q7XYZd_AY_dWLPlhT-16_jC0VIzWul_fY530mnpuZ-BdPEyoc_qJJyfHr/s1600/francoise+dorleac+in+paris.jpg" height="320" width="278" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZds2rO-jd5IGFlmmJhgsoKUaszmoprBQkJinL41c4On4Sdf04nLvvgzWRrNbikpCjNwebqLSoCUviCIfJzMGhfg8DeQPc0q1juR-AGsIbyJIn5bKf1RObiU9XU_SrqpemLmFOPYOBhW7W/s1600/francoise+dorleac+in+colour+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZds2rO-jd5IGFlmmJhgsoKUaszmoprBQkJinL41c4On4Sdf04nLvvgzWRrNbikpCjNwebqLSoCUviCIfJzMGhfg8DeQPc0q1juR-AGsIbyJIn5bKf1RObiU9XU_SrqpemLmFOPYOBhW7W/s1600/francoise+dorleac+in+colour+2.jpg" height="320" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div style="line-height: 18.0pt; margin-bottom: 7.45pt; margin-left: 0cm; margin-right: 7.45pt; margin-top: 7.45pt;">
Il mio mondo,<br />
tutto il mondo sei per me,<br />
a nessuna voglio bene come a te,<br />
ogni giorno ogni istante dolcemente ti diró<br />
come prima più di prima t'amerò.<br />
<span style="line-height: 18pt;"><br /></span>
<span style="line-height: 18pt;">[“Come Prima”- letra: Mario Panzeri / música: Vincezo Di Paola y Sandro Taccani]</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span>
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span>
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">El instante, unidad constitutiva de la
secreta pasión cinéfila. El instante, casi indefinible en la elusiva transición
de su insignificante esencia, mas plenamente reconocible en los obstinados
efectos colaterales de su impacto súbito. El instante, fogonazo y fulgor del
micromomento que, siquiera por unos eternos segundos, nos permite escapar de la
secuencial tiranía de lo narrativo, convirtiendo en <i>mot juste</i> la efímera
arquitectura mínima de la forma visual. El instante fílmico aplica su
apresurada imprimación directamente sobre la mirada, siempre pretendidamente
virgen, del avezado espectador, adhiriéndose por siempre al recóndito paraje de
su propia memoria cinematográfica. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span>
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">En la prodigiosa microsecuencia del
baile en el club nocturno parisino de “La piel suave” (<i>La peau douce</i>.
François Truffaut, 1964), Françoise Dorléac, surgida de los inéditos confines
de lo instantáneo, nos obsequia con su talento natural para el hipnótico
movimiento al son de la música (quintaesencialmente sesentera), así como con su
compleja facilidad para encandilar a quien tenga la dicha de contemplarla, sea
éste el espectador o el propio personaje del célebre escritor y editor
literario Pierre Lachenay (interpretado por Jean Desailly). Lachenay, adoptando
aquí las palabras de Silvia Gianni, integra la extensa nómina de “personajes
que se ven obligados a vivir ‘al día’, condenados a hallar su equilibrio en el
‘fugaz instante del presente’ ”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span>
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span>
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">A continuación, ofrezco varios
“instantes de lectura” complementarios:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">“Hay rostros del firmamento cinematográfico
que el mundo perdió la oportunidad de ver envejecer. James Dean y Marilyn
Monroe forman la Estrella Polar de ese firmamento de cuerpos jóvenes y hermosos
que la muerte repentina deja congelados en el imaginario colectivo. Françoise
Dorléac se incorporó a su plateada constelación el 26 de junio de 1967 cuando
perdió el control de un Renault 8 a 10 kilómetros de Niza. Chocó con un poste a
orillas de la Costa azul. El coche ardió. Ella tenía 25 años y había trabajado
con René Clair, Philippe de Broca, François Truffaut, Roger Vadim, Roman
Polanski, Jacques Demy y Ken Russell, entre otros (…) Una actriz que habría
podido dejar su huella en el cine europeo de las últimas décadas”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">[Daniel de Partearroyo. “Françoise
Dorléac: Estrella Cristalizada”. Libreto crítico del DVD de “La piel suave”.
Avalon. 2011]<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">“Estamos en presencia de personajes que
se ven obligados a ‘vivir al día’, condenados a hallar su equilibrio en el
‘fugaz instante del presente’ (Aínsa 133); por esto, la palabra ‘mañana’ –y más
en general la noción de ‘tiempo’– adquiere un nuevo sentido, y prefigura una
inédita concepción de la división del tiempo entre el ayer, el hoy y el mañana.
Sofocada la nostalgia del pasado y conscientes de la incertidumbre del futuro,
la idea de vivir el presente se enfatiza y se dilata. Un <i>carpe diem </i>obligado, se podría decir, una reflexión sobre el ahora
que no significa una renuncia al futuro o el olvido del pasado, sino que hace
del presente ‘manantial de presencias’ (Paz 40-41) –el sitio de convergencia de
los tres tiempos. Así, el perpetuo proceso de transición identitaria transforma
el presente en el verdadero tiempo de la experiencia humana, un ‘estar ahí’
que, en cuanto momento vivido, permite perfilar los rasgos culturales que se
van conformando, y concurre a vislumbrar nuevos modos de entenderse y entender
al otro”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">[Silvia Gianni. “¿De dónde es uno?
Transitoriedad de la identidad, configuración de los espacios
centroamericanos”. Revista Istmo nº 19. 2009, pág. 2. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">Referencias citadas en su texto por
Silvia Gianni: <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">Fernando Aínsa. “Espacio literario,
fronteras de la identidad”. San José: Editorial de la UCR. 2005.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">Octavio Paz. “La búsqueda del presente”.
Conferencia en ocasión del conferimiento del Premio Nobel de Literatura (1990).
<i>Obras Completas</i>. Barcelona: Círculo
de Lectores. 1990. Vol. 3, págs. 39-41]<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">“¿Puede delimitarse, de alguna manera
objetiva, la mínima duración real del “instante”? (…) Sólo la mente humana
puede “vivir” conscientemente el instante presente, tener consciencia de ese
momento fulgurante, de que su vida y su tiempo se están realizando en el
presente de su conocimiento (…) La definición psicológica del presente
instantáneo desborda los conceptos físicos y también los biológicos. Hemos de
buscar una medida especial para una consciencia viva que pueda alcanzar límites
extremos de intensidad y también de indivisibilidad”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">[Manuel Criado de Val. “La imagen del
tiempo: Verbo y relatividad”. </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: EN-GB;">Madrid: Istmo.
1992, págs. 103, 106]<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-GB" style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-GB" style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: EN-GB;">“If an image is flashed too quickly to be perceived consciously, we take
it unconsciously and respond to it without knowing what is happening (…) When I
walk in the street, I sometimes glimpse a scene for just an instant, but I
cannot tell you what I have witnessed until a fraction of a second later, when
the puzzling image falls into place.”<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-GB" style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">“Si una imagen se nos aparece como un
destello con tanta rapidez como para no poder percibirla conscientemente, la
recibimos de manera inconsciente y respondemos a ella sin saber lo que está sucediendo
(…) Mientras camino por la calle, a veces alcanzo a ver una escena tan sólo por
un instante, pero soy incapaz de identificar lo que he presenciado hasta una
fracción de segundo después, cuando la desconcertante imagen encaja en su
lugar”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-GB" style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: EN-GB;">[Siri Hustvedt. <i>Living, Thinking, Looking</i>. </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: EN-US;">London: Sceptre. 2013, pág. 226. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;">Mi traducción]<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="//www.youtube.com/embed/gzdnip9mat0" width="420"></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<br /></div>
Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-22995523529839503072013-03-25T16:32:00.000-07:002013-03-25T16:32:42.109-07:00MALIKA MOKEDDEM: FUSIÓN Y CONFUSIÓN DEL DESIERTO Y EL MAR<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBtdDMVJpa3mLsG2n_f0NOAAKZe0YuzPgecKF17qKAdwkXBvozTrzsHtRfkBLZWouqqq0k4it6Ok-LTJNJRKISHwuhvQ9xACjrIEdFlFxu_lVCOWRjzdgfHUSEWF-tKQHzNv2u1Z48fv8P/s1600/Egypt_-_Eastern_Desert_by_the_Red_Sea.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBtdDMVJpa3mLsG2n_f0NOAAKZe0YuzPgecKF17qKAdwkXBvozTrzsHtRfkBLZWouqqq0k4it6Ok-LTJNJRKISHwuhvQ9xACjrIEdFlFxu_lVCOWRjzdgfHUSEWF-tKQHzNv2u1Z48fv8P/s320/Egypt_-_Eastern_Desert_by_the_Red_Sea.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhN9CPsaRtK2HcCbsgO6tnZTZrbwd6wR4fvDGLUjF77DsdvNnB-oeHMR9FQMGRwuHD6n5ucbGR_Uu-iJCIsCKgpPuWKqDPkCDB0-7EjkYfiST1cwWkzAiPECzIa_QqBYc0A73KiXMm624uU/s1600/malika+mokeddem.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhN9CPsaRtK2HcCbsgO6tnZTZrbwd6wR4fvDGLUjF77DsdvNnB-oeHMR9FQMGRwuHD6n5ucbGR_Uu-iJCIsCKgpPuWKqDPkCDB0-7EjkYfiST1cwWkzAiPECzIa_QqBYc0A73KiXMm624uU/s320/malika+mokeddem.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La escritora Malika Mokeddem
nació en 1949 en Kenadsa, un pueblo situado en el desierto de Argelia, en el
seno de una familia de nómadas. En el fragmento que aquí extraigo de su novela
“Sueños y asesinos” [Traducción de Ángeles García. Círculo de Lectores. 1998,
págs. 84-5], Mokeddem trata de desbrozar la compleja dualidad que parece albergarse dentro de los inabarcables límites de la inmensidad: el desierto y el mar, el
sofoco y el frescor, el miedo y la fascinación, el encierro y la evasión, la
contemplación y la evocación. En el encantamiento que produce la poética prosa
de la autora argelina la proximidad del antes evocado mar y el recuerdo del otrora
omnipresente desierto se funden y confunden armoniosamente en un inmenso y
luminoso símbolo de libertad:</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
“El mar no tiene ni una arruga.
El reflejo de la luna se despereza blandamente sobre el agua. Necesito el mar.
Desde siempre su mera evocación era como una bocanada de aire durante mis largos sofocos en el
desierto. Su contemplación me devuelve al desierto. El desierto me encerraba en
sus inmensidades. En su eternidad. Mis ojos allí se despavorían de desolación
hacia lo sublime. Lente implacable del cielo. Hoguera de los días. Éxtasis de
la luz. Dogma del silencio. Miedo y fascinación en el límite de lo soportable.
Pensar en el mar me liberaba de su hipnosis, hacía rodar, se llevaba mis
pensamientos, acunaba mi ensoñación. Sentía entonces en mí una respiración
ligera, una oscilación de duda, como efusiones lejanas, llamadas a la evasión.
Mar y desierto, en ellos me pierdo. Los fundo y confundo en una misma imagen,
la herida luminosa de mi libertad”. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-19313793451361308562012-09-20T14:22:00.000-07:002013-11-22T15:23:15.178-08:00EN NOMINATIVO Y LOCATIVO SINGULAR<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHA1SdyLeE74pXliOd65HQ-te7XzM4Ohu2M2OMU2Iim-acppexLqN5S-cjhY1lQOVoK9sRkhxCayblV3nY28mcFZhq5-VY0KhZX5meDrM5C7Buund7TNCbrNedOCtPJ3TxJYdpw1JZKLC8/s1600/kim+phuc+en+madrid.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="193" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHA1SdyLeE74pXliOd65HQ-te7XzM4Ohu2M2OMU2Iim-acppexLqN5S-cjhY1lQOVoK9sRkhxCayblV3nY28mcFZhq5-VY0KhZX5meDrM5C7Buund7TNCbrNedOCtPJ3TxJYdpw1JZKLC8/s320/kim+phuc+en+madrid.jpeg" width="320" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTN4qlXBqCy-6VWl1r9UwzuTQJErVdyS8I3VTq2zPzK9pOlWz6FFaILb_-J2LfiAHBo6xvkIa01CfIAcqygVrh-N12In2HTi3AtRjWWRyDrf5D3S8PHDnMiDvrEaGXuDE7HLipsfxuDF5x/s1600/oswald+marine.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTN4qlXBqCy-6VWl1r9UwzuTQJErVdyS8I3VTq2zPzK9pOlWz6FFaILb_-J2LfiAHBo6xvkIa01CfIAcqygVrh-N12In2HTi3AtRjWWRyDrf5D3S8PHDnMiDvrEaGXuDE7HLipsfxuDF5x/s320/oswald+marine.jpg" width="243" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZlgJ8ezMVCuUn24nijNruGxMcU1VFAfIpEgy7k3HBLhLPPlf77tSMiNb7K-sN30oPjVnL-juqmqzuflQmY3Tiiffx41WhBjxK1HN5vVY0er8faiJzHQj5yA0u73Wd4tHq6Zymw8PTEAl3/s1600/audrey_hepburn+joyful+on+bike+with+dog.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZlgJ8ezMVCuUn24nijNruGxMcU1VFAfIpEgy7k3HBLhLPPlf77tSMiNb7K-sN30oPjVnL-juqmqzuflQmY3Tiiffx41WhBjxK1HN5vVY0er8faiJzHQj5yA0u73Wd4tHq6Zymw8PTEAl3/s320/audrey_hepburn+joyful+on+bike+with+dog.jpg" width="247" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Declinar en nominativo y locativo
singular. Aventurarse por los sinuosos vericuetos de la topografía humana.
Deslabazar uno tras otro los eslabones de la inmensa cadena de causas y efectos
que traba nombres y lugares. Desentrañar la intricada madeja de circunstancias
que envuelve al individuo. Poner rostro a la borrosa silueta contorneada por el
paisaje aplicando con precisión la vasta paleta de colores de la palabra.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
AUDREY HEPBURN EN AMSTERDAM</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Una bicicleta en Amsterdam. El
tranquilo arrebato lírico de Antonio Muñoz Molina evoca el rítmico transitar
por calles que cartografían el espíritu de la ciudad. Llega hasta mí de la mano
de las veleidades del sentimiento la nítida imagen de Audrey Hepburn a lomos de
su bicicleta. Soñar a la actriz adolescente desplegando su sofisticada sencillez
sobre los canales de un Amsterdam bélico y crepuscular, pedaleando un grácil
minué hasta la puerta de la escuela de ballet de Sonia Gaskell.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
“BICICLETAS. Anochece y sus
pequeñas luces flotan en la penumbra como luciérnagas: algunas parpadean, otras
permanecen fijas, hay quien las lleva colgadas en el pecho; el parpadeo se
corresponde a veces con el sonido breve y rápido de los timbres; los timbres
riman en tono menor con la campana del tranvía, igual que el ruido de cacharro
de las bicicletas se escucha con el fondo de esa trepidancia de los motores
eléctricos y del roce de las ruedas de los tranvías sobre los raíles”.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
[Antonio Muñoz Molina. “Para un
diccionario básico”. Babelia, nº 1086. El País. 15 de septiembre de 2012]</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="FI"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="FI">LEE HARVEY OSWALD EN TOKIO<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="FI">Un marine en Tokio. </span>Ante el consejo de guerra de la historia, Don
DeLillo exhibe con marcial elegancia el acta notarial de la deseducación
sentimental del magnicida en ciernes. La continua mudanza por las
claustrofóbicas estancias del desarraigo patrio se torna ahora placentero
deambular por las callejuelas de la capital japonesa, en pos del amor fugaz
celosamente guardado en una de tantas urnas de cristal habitadas. La magia del
momento oriental metaforiza las cárceles imaginarias del profundo sur en
inmarcesibles estados de inusitada satisfacción.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
“La humedad otoñal persistió. La
luz de las farolas relucía en el laberinto de callejones atestados de casas y
tiendas de madera. Le habían quitado su espacio norteamericano. No es que
importara demasiado. Su espacio no había sido más que vagabundeo, una mentira
que ocultaba habitaciones reducidas, el televisor, la incensante voz de su
madre. Louisiana, Texas, puras mentiras. Lugares sin propósito que giraban en
torno a los cuartuchos en los que siempre acababa. Aquí la pequeñez adquiría
sentido. Las ventanas de papel y las habitaciones como cajas eran estado
mentales claros, formas de bienestar”.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
[Don DeLillo. “Libra”]</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
KIM PHUC EN MADRID</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
La vietnamita por siempre niña
deja momentáneamente en suspenso su sincera plática con la periodista-comensal
para atender a los platos minuciosamente seleccionados de entre su estricta
dieta del napalm. Extinguidos largo tiempo atrás en su corazón los rescoldos
postreros de la rabia y el dolor, su memoria aviva, por exigencias del guión,
el fuego eterno de la sinrazón. En un reluciente restaurante de Madrid el alma
adulta exorciza en público sus fantasmas al calor del convencional bálsamo
conversacional; en una polvorienta carretera de Vietnam el cuerpo infantil intenta
en vano esquivar las lenguas de fuego del espíritu del mal.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
“El 8 de junio de 1972, Phuc y
sus vecinos del poblado de Trang Bang fueron víctimas de un ataque
estadounidense que el joven fotógrafo Nick Ut inmortalizó en una instantánea
que dio la vuelta al mundo. Oírla revivir aquel momento cierra el estómago.
‘Llevábamos tres días refugiados en un templo y de pronto oímos venir los
aviones y echamos a correr. Vi caer cuatro bombas. Oí ‘brum brum’, un sonido
más suave de lo que me esperaba, y de pronto había fuego por todas partes,
también en mi piel’. Su ropa veraniega ardió por completo dejando su
cuerpecillo escurrido expuesto a la agresión de la cabeza a los pies. Dos de
sus primos, de seis meses y tres años, murieron abrasados. Ella sufrió
quemaduras en el 65% de la piel y necesitó injertos en el 35%”.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
[Carmen Pérez-Lanzac. “Almuerzo
con … Kim Phuc”. El País. 19 de septiembre de 2012]</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-5008676925563769592012-07-18T15:45:00.000-07:002012-07-18T15:45:39.422-07:00ROSTROS JÓVENES EN LA NEGRA NOCHE DEL TIEMPO<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivYkN6rMwiJGoEqxKijQnuXqHNBCobmgDQ0PRV1VmYdZU5zrMEHtLHhCEtLKLVBUh-2cCHxsmyzMZ0G3ylY0qoIJd50t2YNOWfUvZQykye13HjCTkhUJ2-N7RliuKzTqaz0mpTiCB9lQNr/s1600/faces+of+american+soldiers+killed+in+vietnam.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivYkN6rMwiJGoEqxKijQnuXqHNBCobmgDQ0PRV1VmYdZU5zrMEHtLHhCEtLKLVBUh-2cCHxsmyzMZ0G3ylY0qoIJd50t2YNOWfUvZQykye13HjCTkhUJ2-N7RliuKzTqaz0mpTiCB9lQNr/s400/faces+of+american+soldiers+killed+in+vietnam.jpg" width="311" /></a></div>
<br />
“Nunca, bajo ninguna circunstancia, menosprecies una obra de ficción tratando de convertirla en una simple copia de la vida real; lo que buscamos en la ficción no es tanto la realidad sino más bien la epifanía de la verdad”.<br />
<br />
[Azar Nafisi. “Leer ‘Lolita’ en Teherán”. 2003. Mi traducción]<br />
<br />
En el incierto e inconstante territorio que se extiende entre lo improbable y lo imposible pueden verificarse, en ocasiones, situaciones de prodigiosa singularidad. Parecería improbable, por ejemplo, que alguien nacido en un pueblo de la costa coruñesa y que pasó allí los primeros años de su infancia acabase engrosando las filas del ejército de Estados Unidos y llegase incluso a combatir contra los japoneses en la Campaña del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial; en la zona de demarcación de lo imposible podría localizarse, sin duda, la circunstancia de que ese alguien fuera en realidad un miembro de mi propia familia y yo tuviese la oportunidad única de oír de su propia boca el relato en primera persona de su experiencia bélica. Pues bien, ambas cosas sucedieron en realidad.<br />
<br />
A principios de la década de los 30 del pasado siglo, un primo hermano de mi abuela materna, que contaba con 9 años de edad, se embarcó en un puerto gallego rumbo a la tierra de promisión del otro lado del Atlántico, acompañado de su hermana menor y de su madre (que era hermana de mi bisabuela materna, la cual llegó a conocerme en persona cuando, con un año de vida, hice mi primer viaje a Galicia). A diferencia de tantos otros emigrantes gallegos que dirigieron sus pasos hacia el sur del continente americano, en especial Argentina, mis tres familiares fueron recibidos por la Estatua de la Libertad en el norte. Allí iniciaron una nueva vida, lejos de la penuria de su tierra natal, y acabaron adoptando la nacionalidad estadounidense. Muchos años después, en concreto en 1984, teniendo yo 16 años, recibimos en nuestra casa de Huelva la visita del primo americano de mi abuela, que debía de andar por los 62. Había viajado desde California, donde residía, hasta España para visitar en Galicia, Andalucía y Canarias, a su diseminada familia española, entre ella mi abuela, que vivía en el piso de al lado. Todavía hoy lo recuerdo vívidamente: alto, con el pelo canoso, bajándose en mi calle de un coche alquilado rojo. En una larga y relajada conversación de sobremesa del mes de abril, me relató con detalle una parte de su vida que me sorprendió e impactó especialmente. Con 20 años, y al ser ciudadano estadounidense, con plenos derechos y deberes, fue llamado a cumplir su servicio militar mientras se desarrollaba la Segunda Guerra Mundial. Como muchos otros soldados de origen hispano – hispanoamericanos en su práctica totalidad- fue incorporado a los marines y destinado al Pacífico Sur, donde se libraba la guerra contra el ejército japonés. Allí combatió y sobrevivió a la terriblemente famosa Batalla de Guadalcanal, que tuvo lugar en el archipiélago de las Islas Salomón desde agosto de 1942 a febrero de 1943. Tras leer estos últimos días sobre dicho episodio bélico, soy ahora plenamente consciente de que aquel familiar mío al que tuve la suerte de conocer personalmente era un auténtico superviviente: en los combates de Guadalcanal murieron 24.000 soldados japoneses y 1.600 americanos; además, a causa de la malaria y otras enfermedades tropicales, fallecieron otros varios miles de soldados estadounidenses. Concluida la rememoración de su increíble experiencia bélica, el primo de mi abuela me confesó que en ese momento presente, superados los 60 años de edad, cuando por la noche se acostaba en su casa de un plácido valle californiano le ocurría algo con relativa frecuencia: al cerrar los ojos para tratar de conciliar el sueño, podía ver con absoluta nitidez en la oscuridad los rostros jóvenes de compañeros de armas suyos, la mirada eterna de aquellos muchachos con los que compartió el duro día a día de la isla del Pacífico, pero que, a diferencia de él, fueron mucho menos afortunados, pues se dejaron sus aún incipientes vidas en aquel remoto confín del planeta.<br />
<br />
No tengo demasiado claro si la literatura imita la vida o, si por el contrario, es en ocasiones la vida la que imita a la literatura, pero muchos años después de aquel inolvidable encuentro de 1984, mientras leía la novela “Soldados de Salamina”, publicada por Javier Cercas en 2001, me sobrecogió volver a toparme, entre sus páginas, con otros rostros jóvenes que en la negra noche del tiempo seguían rindiendo visita a un antiguo compañero de combate, el cual había conseguido sobrevivir hasta la senectud. En uno de los pasajes más emotivos del libro, Cercas pone en boca de Miralles, el antiguo soldado republicano durante la Guerra Civil española, ahora anciano, las siguientes palabras: “Cuando salí hacia el frente en el 36 iban conmigo otros muchachos. Eran de Terrassa, como yo; muy jóvenes, casi unos niños, igual que yo; a alguno lo conocía de vista o de hablar alguna vez con él: a la mayoría no (…) Hicimos la guerra juntos (…) Ninguno de ellos sobrevivió. Todos muertos (…) Desde que terminó la guerra no ha pasado un solo día sin que piense en ellos. Eran tan jóvenes… Murieron todos. Todos muertos. Muertos. Muertos. Todos (…) A veces sueño con ellos, y entonces me siento culpable: les veo a todos, intactos y saludándome entre bromas, igual de jóvenes que entonces, porque el tiempo no corre para ellos (…) Nadie se acuerda de ellos, ¿sabe? Nadie. Nadie se acuerda siquiera de por qué murieron (…) pero yo me acuerdo, vaya si me acuerdo, me acuerdo de todos.”<br />
<br />
Ilustra la presente entrada la portada del número del 27 de junio de 1969 de la revista estadounidense ‘LIFE’, el cual sacudió brutalmente la vida y conciencia de Estados Unidos al publicar a lo largo de diez de sus páginas las fotografías de los rostros, con nombres y apellidos y lugar de origen, de los 242 soldados estadounidenses que habían muerto en una sola semana en la Guerra de Vietnam.Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-60277711854629560862012-04-30T14:56:00.000-07:002012-04-30T14:56:15.791-07:00NATALIE WOOD EN MALIBÚ, 1965: DEL NO-ESPACIO Y EL NO-TIEMPO<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiR8BJ5aUeXuuNt3DDcbSiWVV9EnZOSkCml7Lcl9dScTkoakDQ6Nxb-C9uAvnpBDxwprWtuNcbT0cq6pM-owSuzbAWbHPoQhDvQsqGrKXJtdAHNgi0f-nHcu-rwbs0ozkrOOYv-iPrv1KW_/s1600/natalie+wood+malibu+1965.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiR8BJ5aUeXuuNt3DDcbSiWVV9EnZOSkCml7Lcl9dScTkoakDQ6Nxb-C9uAvnpBDxwprWtuNcbT0cq6pM-owSuzbAWbHPoQhDvQsqGrKXJtdAHNgi0f-nHcu-rwbs0ozkrOOYv-iPrv1KW_/s400/natalie+wood+malibu+1965.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<br />
<br />
“Para alcanzar la felicidad en otro mundo, tan sólo es necesario creer en algo, mientras que para asegurárnosla en este mundo, debemos hacer algo.”<br />
<br />
<br />
[Charlotte Perkins Gilman]<br />
<br />
<br />
<br />
“Es una muchacha viva, alerta, intensa, siempre fresca, que parece que está estrenando cada gesto. Cuando aparece, la película revive, a pesar de lo mucho que los demás hacen para enturbiarla y marchitarla. El amor, y el dolor, y la alegría infantil, y el desvarío y la desesperación, y la resignación amarga, todo es verdad en ella, lo único que tiene efectivo esplendor.”<br />
<br />
<br />
[El filósofo Julián Marías escribe sobre Natalie Wood en la película “Esplendor en la hierba”. Citado por Manuel Hidalgo en su artículo “Esplendor en el agua: Natalie Wood”]<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
Siempre que visito una playa por primera vez lo hago invariablemente acompañado por la inescapable sensación de haber estado ya antes en ella. Quizá pueda deberse esto al hecho de que, probablemente, todas las playas sean en última instancia una misma playa. La playa es, en realidad, un espacio carente de coordenadas físicas definidas, un no-espacio regido por aquello que Carlos Hernández Pezzi –en su artículo de 2005 “Navegación metropolitana: flujos, escalas, pasajes”– denomina “la ausencia perceptiva como valor espacial en el límite”. La playa –todo límite ella: de la tierra, en la orilla; del mar, en el horizonte– produce en el individuo un enigmático y sugerente vértigo que anula su capacidad para percibir objetivamente no sólo el espacio, sino también el tiempo. De este modo, dentro de los evanescentes confines de la playa, pasado, presente y futuro renuncian a su frágil y efímera identidad para convertirse en sumisos súbditos del no-tiempo, el cual dibuja caprichosamente sobre la arena la embaucadora cronología de su desconcertante reinado: ¿quién no ha sumergido su cuerpo en el mar para al salir de él, cercados sus párpados por la temible alianza de la sal y el sol, engañarse a sí mismo pensando que podría ver en su cuerpo el de aquel niño que tantos años atrás se bañó en ese mismo lugar?. Quizá el no-espacio de una playa andaluza en el no-tiempo de este año 2012 se convertirá, cuando menos lo esperemos, en el Malibú de 1965, donde eternamente Natalie Wood eclipsa con el negro de sus ojos al orgulloso sol californiano y se agarra la tiranta de su bikini rota por la furia desatada del Pacífico, celoso de su radiante belleza. En la famosa escena del filme “Esplendor en la hierba” (‘Splendor in the Grass’. Elia Kazan, 1961), Natalie Wood se desmoronaba al leer, en los implacables versos de William Wordsworth, la inmisericorde condena a muerte del esplendor en la hierba y la gloria en la flor. Cuatro año después, en 1965, en la idílica y dorada Malibú, en las entrañables imágenes de una grabación casera donde famosos actores improvisan interpretaciones de sí mismos y remedan maneras del cine silente en florido color, la actriz rusa de San Francisco puso a salvo, gloriosamente y para siempre, el esplendor en la arena y la gloria en la ola.<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
Vídeo casero sin sonido perteneciente al actor Roddy McDowall grabado en Malibú, el 15 de agosto de 1965. En él puede verse a Natalie Wood, Paul Newman, Jane Fonda, Samantha Eggar, Jane Powell y James Fox.<br />
<br />
<br />
<br />
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<br />
<br />
<br />
Escena cumbre de "Esplendor en la hierba", en la que una magistral Natalie Wood lee y comenta los famosos versos de William Wordsworth, que contienen el título de la película, antes de sucumbir a una profunda crisis psicológico-emocional derivada de la negación del amor.<br />
<br />
<br />
<br />
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<br />
<br />
<br />
<br />
Vídeo de la presentación del libro de 2012 "Los ojos de Natalie Wood", del escritor cordobés Alejandro López Andrada.<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
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“El artista debe pintar no sólo lo que ve ante sí, sino también lo que ve en su propio interior. Sin embargo, si no ve nada dentro de sí, entonces debería abstenerse de pintar aquello que ve ante sí”.<br />
<br />
[Caspar David Friedrich. Mi traducción]<br />
<br />
<br />
“La Naturaleza no abre indistintamente a todos la puerta del santurario”.<br />
<br />
[Fulcanelli. “El misterio de las catedrales”]<br />
<br />
<br />
“Los ritos de paso son ceremonias que señalan el paso de un estatus social o religioso a otro (…) La mayoría de los ritos de paso más significativos y frecuentes están asociados a las crisis biológicas de la vida (…) otros ritos de paso celebran cambios esencialmente culturales (…) Van Gennep sostiene que los ritos de paso se componen de tres elementos diferenciados y consecutivos: la separación, la transición y la reincorporación”.<br />
<br />
[Enciclopaedia Britannica. “Sacred Rites and Ceremonies”. Mi traducción]<br />
<br />
<br />
<br />
En su artículo “Memoria de la nieve” (Babelia / El País, 30.12.11), Manuel Rodríguez Rivero escribe lo siguiente: “¿Dónde se ha escondido la nieve, una tradición navideña? (…) La nieve, ese elemento casi imprescindible en la iconografía de estos días (al menos en la que inventaron los victorianos, que es la nuestra) se ausenta de nuestro entorno, pero la reencuentro en las estupendas ilustraciones de Roberto Innocenti para “Canción de Navidad”, ese clásico de Dickens publicado impecablemente por Kalandraka (…) Nieva, por tanto, en los libros, mucho más que en el mundo que pretenden reflejar”. A esta última aseveración de Rodríguez Rivero yo añadiría que nieva también en los cuadros, como por ejemplo en “Paisaje de invierno” (1811) de Caspar David Friedrich, con el que me topé el último día del pasado año, justo después de leer “Memoria de la nieve”, mientras hojeaba un libro sobre la National Gallery de Londres; en concreto, en la sección dedicada en dicho museo a las escuelas pictóricas de Europa Central se encuentra expuesta la obra de Friedrich.<br />
<br />
Sin embargo, en “Paisaje de invierno” llama poderosamente mi atención otro fenómeno meteorológico que, a diferencia de la nieve, sí suele formar parte con relativa frecuencia de la iconografía real de mis navidades y, en general, de mis inviernos: la niebla. El invierno se muestra como la estación del año quizá más proclive a la meditación y la reflexión. Así parecía entenderlo Friedrich, destacado representante del primer Romanticismo pictórico alemán, quien se especializó en la composición de estampas paisajísticas invernales concebidas como sugerentes y plásticas invitaciones al espectador a sumirse en el complejo ejercicio de la introspección. De este modo, la contemplación de los cuadros de Friedrich nos anima a explorar entre los arcanos de una realidad dual, en busca de la esencia espiritual del hombre según ésta se manifiesta en las formas de la materia natural. Acepto gustoso, pues, el reto de Friedrich e intento aplicar mi visión introspectiva a su “Paisaje de invierno”, lo que me lleva de nuevo a reparar en la destacada presencia de la niebla en su obra.<br />
<br />
En la niebla, en esa indeterminada e incierta combinación de agua y aire plasmada delicada y sutilmente por el pincel frío y ácido del alemán, acierto a reconocer quizá el ser último del hombre: en la niebla que suele envolver el tránsito de la noche al día; en la niebla que anuncia la transición entre dos estados cuyas formas son difíciles de distinguir; en la niebla que simboliza cambio, evolución, cruce de fronteras visibles o invisibles en pos de metas definidas o de misteriosos destinos, en función de cuál sea la densidad del intangible meteoro. En la niebla, la existencia humana se torna callada celebración del rito de paso -eso que hemos convenido en llamar “tiempo”- y que hace de nosotros personas nuevas a cada instante.<br />
<br />
En el lienzo de Friedrich la difusa y etérea interinidad de la niebla ha logrado congelar para siempre -en pictórica connivencia con la nieve, poderosa aliada en el atmosférico ceremonial- la transitoriedad de los ritos de paso del artista y del hombre. El artista reniega de la tradicional representación clásica de la naturaleza-objeto, concebida para el goce sensorial por parte del espectador de su obra, y abraza el nuevo credo romántico de la naturaleza-símbolo, sobre la que el autor proyecta el sentimiento, la emoción y la idea guardados con celo en el epicentro de su yo creador. Por su parte, el hombre, minimizado y desvalido por la onerosa sensación de soledad, melancolía y aislamiento con que el artista ha impregnado el paisaje, arroja, no obstante, con aplomo y valentía sus muletas para, desafiando abiertamente a su parálisis, dar un paso decisivo hacia un nuevo estado espiritual: la mudanza desde la caduca y artificial religiosidad fabricada por las terrenales órdenes sacerdotales (simbolizada en la catedral gótica cuyo contorno aparece desdibujado entre la densa niebla) hasta la emergente y prístina doctrina natural (visible en la elevada majestuosidad y el verde contrastado de los místicos abetos, que esconden un crucifijo en el interior del templo natural que ellos mismos conforman junto con las rocas fundacionales), la cual invita al hombre a aventurarse, a través de un nuevo rezo, hacia una realidad superior –que no puede ser aprehendida mediante la experiencia sensorial- en busca de su reintegración con lo divino, que inunda todos los elementos de la naturaleza y los seres vivos que en ella habitan, con el hombre a la cabeza. Corroboran esta última idea las palabras del propio Friedrich: "Lo divino está en todas partes, incluso en un grano de arena; yo lo he pintado una vez entre los juncos".<br />
<br />
<br />
<br />
A continuación ofrezco una audición y dos lecturas complementarias al visionado del cuadro de Friedrich:<br />
<br />
<br />
1. El compositor inglés Frederick Delius, de padres alemanes, facturó auténticos cuadros sonoros inspirados por su pasión por la naturaleza, como el que aquí incluyo, “Aquarelle 1”. Aunque concebida para, en palabras del propio compositor, “ser interpretada en una noche de verano”, la serenidad que evocan las delicadas notas de la paleta musical de Delius en su “acuarela” hacen de su audición, en mi opinión, un complemento perfecto para el disfrute visual del “Paisaje de invierno” de Friedrich. En el terreno de lo anecdótico, reseñar la coincidencia, en lo relativo a la discapacidad física, de Delius con el hombre del cuadro de Friedrich, ya que el músico quedó ciego y paralítico a causa de la sífilis.<br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="390" src="https://www.youtube.com/embed/eIl0mYhBoXw" width="640"></iframe><br />
<br />
<br />
2. Como podemos leer en la Enciclopedia Encarta: “Los trascendentalistas estuvieron influenciados por el Romanticismo, especialmente en aspectos como el examen de conciencia, la exaltación del individualismo y el elogio de las bellezas de la naturaleza y de la humanidad. En consecuencia, los escritores trascendentalistas expresaron sentimientos semi-religiosos hacia la naturaleza, así como el proceso creativo, y veían una conexión directa, o una correspondencia, entre el universo (macrocosmos) y el alma individual (microcosmos). Según esta idea, lo divino impregna todos los objetos, animados o inanimados, y el objetivo de la vida era la unión con el denominado alma superior”. El estrecho vínculo entre la pintura del romántico alemán Caspar David Friedrich y el Trascendentalismo estadounidense resulta evidente en el siguiente pasaje de Henry David Thoreau:<br />
<br />
<br />
“Los árboles y los arbustos elevan sus brazos blancos al cielo; y donde había paredes y setos vemos formas fantásticas que retozan haciendo cabriolas por el sombreado paisaje, como si la Naturaleza hubiera esparcido sus diseños hechos durante la noche como modelos para el artista.<br />
<br />
Abrimos la puerta en silencio, dejando que caiga dentro la nieve amontonada, y salimos a enfrentarnos con el aire cortante. Las estrellas ya han perdido parte de su brillo, y una niebla opaca y plúmbea bordea el horizonte. Una tenue luz bronceada sobre el este proclama la llegada del día, mientras el paisaje occidental aún permanece espectral y oscuro, envuelto en una tenebrosa luz tartárea, como si fuera un reino umbrío”.<br />
<br />
[Henry David Thoreau. “Un paseo de invierno”]<br />
<br />
<br />
3. Antonio Machado, heredero directo del Romanticismo en un arte poético que, al igual que la pintura de Friedrich, refleja la respuesta emocional del artista frente a paisajes naturales preñados de connotaciones simbólicas:<br />
<br />
<br />
Al borrarse la nieve, se alejaron <br />
los montes de la sierra. <br />
La vega ha verdecido <br />
al sol de abril, la vega <br />
tiene la verde llama, <br />
la vida, que no pesa; <br />
y piensa el alma en una mariposa, <br />
atlas del mundo, y sueña. <br />
Con el ciruelo en flor y el campo verde, <br />
con el glauco vapor de la ribera, <br />
en torno de las ramas, <br />
con las primeras zarzas que blanquean, <br />
con este dulce soplo <br />
que triunfa de la muerte y de la piedra, <br />
esta amargura que me ahoga fluye <br />
en esperanza de Ella...<br />
<br />
[Antonio Machado. “Campos de Castilla”, poema CXXIV]Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-69300138246685673542011-12-30T14:21:00.000-08:002011-12-30T15:57:54.694-08:00EDWARD HOPPER: ARRIMADOS AL SOL QUE MÁS ALIENA<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf5D4kcW2tincDrZjnxRkgtm4jtKw9vLA4YvliHKIVtr-3CoPEULgfliCbSk0xVjD8Vxg1vWJLBVSVWnEdRwdtCOHo6wYeIuiXquWB5R00VHp3KzUNDigfa9FTpp4fHSLqqyf7xZfIj-9r/s1600/hopper+people+in+the+sun.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 265px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf5D4kcW2tincDrZjnxRkgtm4jtKw9vLA4YvliHKIVtr-3CoPEULgfliCbSk0xVjD8Vxg1vWJLBVSVWnEdRwdtCOHo6wYeIuiXquWB5R00VHp3KzUNDigfa9FTpp4fHSLqqyf7xZfIj-9r/s400/hopper+people+in+the+sun.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5692054249594054850" /></a><br />¡Duerme el mundo partido hacia adelante!<br />¡Vela la sombra interna! ¡La luz nace!<br /><br />¡Vendado el mundo externo –fe del día–,<br />piensa ciega a la luz que en él cobija!<br /><br />[Emilio Prados. “La realización del mito”]<br /><br /><br /><br />El pintor estadounidense Edward Hopper fue, sin duda, uno de los más hábiles diseccionadores de la sensibilidad particular que, en buena manera, caracterizó al hombre del siglo XX: angustia, melancolía, soledad, aislamiento -sentimientos estos que fueron perfectamente epitomizados y plasmados por Hopper en sus cuadros mediante la exploración, sistemática y concienzuda, de un todopoderoso y omnipresente concepto de alienación que recorre transversalmente su obra pictórica.<br /><br />Para la representación formal del gran tema de la alienación y sus factores coadyuvantes, Hopper solía recurrir a dos espacios pictóricos claramente diferenciados: por un lado, los interiores oscuros, sombríos, del tipo de una habitación de hotel, una mesa de bar o un vagón de tren; por otro, los exteriores soleados, luminosos, de amplios espacios abiertos. En definitiva, una muy personal imaginería pictórica dual puesta al servicio de la expresión desnuda, descarnada de la angustia vital del hombre moderno, tanto en los ambientes cerrados (claustrofobia) como en los espacios abiertos (agorafobia).<br /><br />De entre las pinturas de la serie que podríamos definir como de “alienación agorafóbica”, me gusta especialmente la que Hopper pintó en 1960, ya dentro de su última etapa, con el título de <span style="font-style:italic;">People in the Sun</span> (“Gente al sol”), la cual se expone en el National Museum of American Art de Nueva York. En lo tocante a la composición y el color, son fácilmente reconocibles en ella algunos de los rasgos definitorios del estilo pictórico del estadounidense: composición cimentada en formas geométricas grandes y sencillas; utilización de elementos arquitectónicos para introducir acusados contrastes en la escena (así por ejemplo, la horizontalidad que domina el paisaje es quebrada abruptamente por la verticalidad del edificio que, fragmentariamente, se inserta a la izquierda del cuadro); empleo de áreas de color planas, en las que los tonos azulados (cielo, montañas y sombras) y ocres (campo, puerta y ventana del edificio, sillas) contribuyen a realzar la luz clara, intensa que delimita con enérgica precisión las formas y ángulos sobre el lienzo.<br /><br />En un primer momento, el trazo realista de la obra parece presentarnos una escena amable, colorista, luminosa (un grupo de personas, sentadas al aire libre, toman relajadamente el sol, y una de ellas, a su vez, lee un libro), fruto del vistazo momentáneo a los espacios y a las gentes que caracterizaba la mirada artística del voyeurista social que fue Hopper. <br /><br />En un análisis más detenido, el sobrecogedor reverso de la escena va dibujándose con extraordinaria nitidez ante nuestros ojos y vamos descubriendo que en ella nada es lo que parece: desde las montañas, que parecen ondularse extrañamente cual si de las olas del mar se tratase, hasta los individuos que parecen estar absortos en su placentera contemplación. Los amplios espacios abiertos del paisaje producen, en realidad, una sensación de angustia, asfixia, opresión, enclaustramiento; la balsámica calma total que impregna la atmósfera del cuadro evoca, no obstante, desasosiego, aislamiento, soledad. Y, por encima de todo ello, la radiante luz del sol es un mero artificio, convirtiéndose en un infalible agente alienador. De este modo, las personas que aparentan disfrutar de la plácida visión del entorno son, en verdad, seres alienados, que han perdido todo vínculo sensorial y afectivo con el medio exterior y con su propia identidad personal, hasta el punto de mostrársenos como meros maniquíes que no parecen contener en su interior ni un ápice más de vida que las sillas de madera que los sostienen (precisamente de la madera de una marioneta parece haber sido fabricado el brazo con final en amorfo muñón del hombre calvo de traje gris que aparece en primer plano). En realidad, estos individuos tornados en puros autómatas por efecto de la alienación no pueden ver nada: ni la luz solar, ni el paisaje, ni unos a otros, rasgo este último muy habitual en el universo pictórico de Hopper, donde la sensación de soledad del ser humano se amplifica y acentúa aún más al ser normalmente experimentada en la cercana pero estéril compañía de otros congéneres igual de solitarios. Que estas tristes criaturas sedentes habitan un lóbrego mundo interior de sombras lo denotan los oscuros cercos que rodean sus ojos, prueba evidente de la acusada ausencia de contacto con la luz que preside sus días; esto, en el largo plazo, conducirá a la irremediable y completa desfiguración de sus rostros y de su personalidad, como parece sugerir el hecho de que ni siquiera podamos ver la cara de la mujer rubia que cierra la fila. En la esquina inferior izquierda, la figura periférica del lector actúa como efectivo contrapeso y contrapunto de todo el conjunto: es el único que parece ser una persona de carne y hueso (en este caso, los dedos de su mano están perfectamente perfilados), dotada de vida, con plena capacidad para procesar los estímulos externos, como aquellos que emanan de las hojas del libro en cuya lectura se encuentra inmerso; la razón de todo ello es evidente: es el único que no está contemplando el paisaje, que no está arrimado al sol que más aliena.<br /><br /><br />Charles Ives: 'The Rockstrewn Hills Join in the People’s Outdoor Meeting' (Orchestral Set, No. 2) / “Las rocosas colinas se unen a la reunión al aire libre del pueblo” (Serie Orquestal, nº 2)<br /><br />Mi propuesta de audición complementaria al visionado del cuadro de Hopper: una pieza extraída de las “Series Orquestales” de Ives, el gran clásico estadounidense. Uno de sus habituales mosaicos sonoros, en este caso sobre fondo de ragtime; una calculada mezcla de placidez y desasosiego, reconfortante e inquietante a partes iguales.<br /><br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/KqEjT1An5zw?version=3&feature=player_detailpage"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/KqEjT1An5zw?version=3&feature=player_detailpage" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="360"></object><br /><br /><br />Video sobre la obra pictórica de Edward Hopper realizado por Victoria Taylor-Gore<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/WPFVwcz7wj8?version=3&feature=player_detailpage"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/WPFVwcz7wj8?version=3&feature=player_detailpage" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="360"></object>Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-2349286735415966482011-11-11T14:56:00.000-08:002011-11-11T15:23:45.267-08:00METAVISIÓN DEL ACTOR AUSENTE: JOHN WAYNE EN "CENTAUROS DEL DESIERTO"<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLa3KebZN0ruK_78ISGbVxbbqQxHzmPRtY7ODvioQcC1NXDAyHzHKeer04h9zDgqml8Rzuk8n192BKRxxIvDaP96udClGKUX0NRhH-kTyLdrxeAERnfPw9-qhsjDZhvLG2m25IocIpHZqW/s1600/jeffrey+hunter+natalie+wood+the+searchers.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 357px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLa3KebZN0ruK_78ISGbVxbbqQxHzmPRtY7ODvioQcC1NXDAyHzHKeer04h9zDgqml8Rzuk8n192BKRxxIvDaP96udClGKUX0NRhH-kTyLdrxeAERnfPw9-qhsjDZhvLG2m25IocIpHZqW/s400/jeffrey+hunter+natalie+wood+the+searchers.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5673877723058341362" /></a><br />¿Qué es un buen actor de cine? Es ésta sin duda una pregunta extremadamente difícil cuya compleja respuesta no me atrevería a tratar de dibujar con los firmes y certeros trazos del academicista, pero quizá sí a tratar de esbozar con las sutiles e imprecisas pinceladas del impresionista. Intentaré pues aplicar una de esas pinceladas sobre el vasto lienzo del viejo oficio de actor del celuloide. Para mí, en un arte esencialmente visual en su ontología, aquel que es capaz de desplegar una poderosa presencia en pantalla es ciertamente un buen actor; mas aquel otro que logra proyectar y manifestar sobre el espacio encuadrado por el objetivo de la cámara su notoria y evidente ausencia, o quizá debería decir su “presencia en ausencia”, probablemente sea aún mejor actor. Éstas son las razones por las que, al contemplar emocionado este fotograma desnudado de su telúrico color original de “Centauros del desierto” (‘The Searchers’. John Ford, 1956), me reafirmo de manera inequívoca en la grandeza actoral de John Wayne. En una magistral explotación, por parte de Ford, de lo metavisual en el cine, en mi condición de espectador miro sobrecogido cómo los personajes de Jeffrey Hunter y Natalie Wood miran con la intensidad del miedo contenido a un John Wayne estelar y omnímodamente presente en su sonora y descomunal ausencia, quien a su vez mira a ambos, dentro de la narración fílmica, con una mirada ahíta de odio largamente larvado y de irrefrenables deseos de sangrienta venganza. Por tanto, sin ni siquiera verlo físicamente, veo a John Wayne por los cuatro costados del fotograma y, muy en especial, lo veo con absoluta nitidez en los ojos de Hunter y Wood. Desde el fuera de campo de una escena que forma parte del grandioso clímax final de este western clásicamente épico, John Wayne centrifuga e irradia toda su fuerza y magnetismo sobre unas bellísimas e indelebles imágenes que figuran ya por derecho propio en la nómina de aquellas que han hecho del cine un arte, en el sentido más básico pero a la vez más grandioso del término. En no pocas ocasiones he oído o leído a personas afirmar que John Wayne era un actor mediocre. Con mi mano extendida sobre la Biblia del Cine, abierta por las páginas del Evangelio de John Ford que relatan el Sermón de la Montaña de Monument Valley, los perdono porque creo que no saben lo que dicen.Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-11166617086033678822011-09-08T11:22:00.000-07:002011-09-09T00:44:36.723-07:00HOY COMO AYER: SOLIDARIDAD Y COMPAÑERISMO DE UN ALL-STAR CAST ESPAÑOL<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmHSqc9jg6m2DIfH8r8-WWZCzlKUwCvwck8N-lZLflVDxZDgGYYY-lLpF1deYUFyH38ZA6mvFQvLLJ5BrvW6jzaeZfHK4K6B5eCXKhZp7m40Q-uHQcsBxid2B5jfWRfXYGf-vA_-LREX9t/s1600/hoy+como+ayer.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 277px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmHSqc9jg6m2DIfH8r8-WWZCzlKUwCvwck8N-lZLflVDxZDgGYYY-lLpF1deYUFyH38ZA6mvFQvLLJ5BrvW6jzaeZfHK4K6B5eCXKhZp7m40Q-uHQcsBxid2B5jfWRfXYGf-vA_-LREX9t/s400/hoy+como+ayer.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5650058174569512626" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRxdbY1duhhqkMAoogM18eIwUv_qpJ3b-27Rhydiwtunqy7Gv1sC16w4c-w8qMo8JuaR4o-azAlwBY88-9fJfQNEDgDXvbrXki4WjPHu8wBVqD_maUWtdvM2cVkAuDRHh2CuYtHVleEK7u/s1600/jose+luis+ozores+triste.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 244px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRxdbY1duhhqkMAoogM18eIwUv_qpJ3b-27Rhydiwtunqy7Gv1sC16w4c-w8qMo8JuaR4o-azAlwBY88-9fJfQNEDgDXvbrXki4WjPHu8wBVqD_maUWtdvM2cVkAuDRHh2CuYtHVleEK7u/s400/jose+luis+ozores+triste.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5650058094331917762" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgODNezJzuUDUpQbZvu9aAEzX6lAMcuR4K1hiN_AZIqwvrFaNJmntagY7XfmDebMQkSDIqUsbNgZAfIQjCSzqhzYUi7wC-LGm1hzRLn8YXbP9xaISB70_IBjvrKy39xS644P2c2sS2NbyMn/s1600/jose+luis+ozores1.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 250px; height: 321px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgODNezJzuUDUpQbZvu9aAEzX6lAMcuR4K1hiN_AZIqwvrFaNJmntagY7XfmDebMQkSDIqUsbNgZAfIQjCSzqhzYUi7wC-LGm1hzRLn8YXbP9xaISB70_IBjvrKy39xS644P2c2sS2NbyMn/s400/jose+luis+ozores1.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5650057982577109378" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiK9fvZhu1K-VIUKXaSRDKOkYWWSbS6XfTphny_5DXq7aB_h89Rd-viXaywfogEFzFUxcjaY9zg2_u8pdIy6Yy19AVbB7WSWT6Fzd3m1CjmuxKeuaSSsJFpNq-a3xjdeNtM9Vhm4GHugrXM/s1600/jose+luis+ozores+tigre+chamber%25C3%25AD.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 300px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiK9fvZhu1K-VIUKXaSRDKOkYWWSbS6XfTphny_5DXq7aB_h89Rd-viXaywfogEFzFUxcjaY9zg2_u8pdIy6Yy19AVbB7WSWT6Fzd3m1CjmuxKeuaSSsJFpNq-a3xjdeNtM9Vhm4GHugrXM/s400/jose+luis+ozores+tigre+chamber%25C3%25AD.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5650057868759792946" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCzBPyVLnMjY0pZnfE8wU9KZVRk7EnvsGdU7f4FAi06cLp4TrqMQRZdCZTdwJAg0p-KeFL4nnxoNBVhZFOfX4kVrmIBy_ZgbMpu0HoV6tXt28tXGpb8Fsx0EVBAzVa3zqRlCXKJMQleMqc/s1600/isbert+jose+luis+ozores+antonio+ozores.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 253px; height: 223px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCzBPyVLnMjY0pZnfE8wU9KZVRk7EnvsGdU7f4FAi06cLp4TrqMQRZdCZTdwJAg0p-KeFL4nnxoNBVhZFOfX4kVrmIBy_ZgbMpu0HoV6tXt28tXGpb8Fsx0EVBAzVa3zqRlCXKJMQleMqc/s400/isbert+jose+luis+ozores+antonio+ozores.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5650057698619602322" /></a><br />El vocablo inglés “all-star cast” hace referencia a un reparto estelar o de primeras figuras. En la época dorada de Hollywood, en la que el propio nombre de los actores era el mejor reclamo para atraer a los espectadores a la taquilla, fue práctica habitual reunir a verdaderas constelaciones de intérpretes para que integrasen el plantel de una película, eso sí, siempre que el estudio en cuestión estuviese en disposición de rellenar uno de esos agujeros negros que dicen que abundan por el espacio sideral de billetes con las efigies de Washington, Lincoln y Franklin; a botepronto, mencionaría como ejemplo la famosa película bélica sobre el desembarco de Normandía “El día más largo” (‘The Longest Day’. K. Annakin, A. Marton y B. Wicki. 1962), con un “cast” de astros de la gran pantalla quizá más largo que el propio día en cuestión. Allá por 1966 el cine español, en lo tocante a poderío económico, infraestructura general y sentido del “entertainment”, navegaba fuera de órbita a muchos años luz del cine norteamericano. Sin embargo, fue en esa fecha cuando se estrenó una película en la que participó el más espectacular “all-star cast” que hasta ese momento había conocido nuestro cine. El filme en cuestión era “Hoy como ayer” dirigido por Mariano Ozores. Aparte de la propia extrañeza que produce la aplicación del vocablo del que aquí tratamos a la industria cinematográfica española de los años 60, la espectacular congregación de actores que se dio cita en torno a la película presenta un perfil muy especial: el motor principal del proyecto no fue la consecución de la espectacularidad cinematográfica vía reparto, sino la puesta en práctica de dos valores humanos muy definidos: la solidaridad y el compañerismo, tan a menudo ausentes del irracional y egoísta choque de egos en que parece transformarse la profesión cinematográfica allá donde ésta se practique. José Luis Ozores, actor por el que siento devoción y figura con enorme predicamento popular del teatro, cine e incipiente televisión de los 50 y primeros 60, llevaba ya varios años aquejado de esclerosis múltiple, una enfermedad sin cura y profundamente desconocida por aquel entonces, hasta el grado de que prácticamente no podía trabajar y estaba confinado en una silla de ruedas. Esto, a su vez, le había conducido a él y a su familia -esposa y tres hijos (la mayor de ellos, la ahora consolidada actriz de cine, teatro y televisión Adriana Ozores)- a una difícil situación económica. Los actores y actrices que integraron el reparto de “Hoy como ayer”, probablemente todavía a día de hoy uno de los más generosos, solidarios y, para mí, emocionantes, que en nuestro cine hayan sido jamás, aceptaron participar en la película sin llevarse una sola peseta, ya que, sin excepción, cedieron la totalidad de sus honorarios a la familia de José Luis. La razón que les movió a ello: ayudar a un compañero hacia el que la totalidad de la profesión actoral en España profesaba un cariño y respeto excepcionales. Escuchando un día un programa radiofónico, oí comentar al experto escritor sobre cine Juan Tejero (autor de los famosos libros denominados “Este rodaje es la guerra”) que, a diferencia del cine norteamericano, el español, sobre todo el de épocas pretéritas, presenta una ostensible falta de bibliografía seria y especializada, por lo que, en la mayoría de las ocasiones, si se quiere indagar sobre él, hay que recurrir a las biografías o memorias de directores o actores. Es precisamente esto en lo que ando metido estos días, leyendo “Respetable público” (2002), las extensas memorias de Mariano Ozores, hermano de José Luis (y de Antonio) y, como señalé antes, director de la película que aquí me ocupa. A partir de este momento, le cedo a él la palabra para que, en valiosa primera persona, nos ilustre sobre las circunstancias que rodearon la gestación, rodaje y estreno en cines de “Hoy como ayer”:<br /><br />“A finales de ese 1965, mi hermano José Luis, a pesar de su enfermedad, que ya no le permitía caminar, estrenó en el Teatro Alcázar de Madrid “El poder”, una obra dramática que Joaquín Calvo Sotelo escribió para él, ya que se trataba de una intriga palaciega situada en el siglo XV en la que un hombre impedido lucha por conservar el poder. Dirigió Adolfo Marsillach. Los admiradores de mi hermano quedaron sobrecogidos al ver cuál era la verdadera situación física de Peliche [apodo familiar de José Luis] y esta impresión se reflejaba en el espantoso silencio que acogía el momento en que el protagonista tenía que ponerse en pie, sin, por supuesto, alejarse de la silla de ruedas en la que interpretaba toda la obra.<br /><br />José María Ramos, que había sido jefe de producción de trabajos anteriores míos, nos propuso la realización de una película en homenaje a nuestro hermano José Luis en la que colaborarían desinteresadamente varios compañeros de profesión. El sueldo lo cederían en su favor. La familia, agradecida a la intención, aceptó y, prácticamente, todo el censo profesional se prestó a colaborar. Sabíamos que Peliche era muy querido por sus amigos y compañeros, pero la respuesta fue emocionante. Rafael Mateo Tarí, con su empresa productora PEFSA, se encargó de la producción y Chamartín la distribuyó.<br /><br />Había que hacer un guión en el que pudieran intervenir tantas figuras pero sin que su colaboración supusiera más de un día de trabajo, para no abusar de su generosidad (…) “Hoy como ayer” trata de un investigador –José Luis- que en una biblioteca prepara un estudio sobre la frase “Cualquier tiempo pasado fue mejor”, con la intención de desacreditarla (…) El rodaje fue muy complicado porque había que supeditarlo a las fechas que los generosos intérpretes tuvieran libres en sus trabajos, pero muy satisfactorio porque la colaboración de todos fue total. Tuve la satisfacción de trabajar por primera y, lamentablemente, única vez con Paco Rabal (…) “Hoy como ayer” fue vista por 913. 065 espectadores, recaudó 14.419.373 pesetas y fue estrenada a finales de agosto en cuatro cines de Madrid simultáneamente, cosa que no era muy frecuente entonces. Para que tengamos una idea de lo que significan esos novecientos y pico mil espectadores, de las 75 películas producidas en 1999, sólo cuatro o cinco han alcanzado esa cifra”. [pp. 132-4]<br /><br /><br />Algo menos de dos años después del estreno de la película, en concreto el 10 de mayo de 1968, José Luis Ozores fallecía en Madrid a los 44 años. El espíritu de “Hoy como ayer” seguía plenamente vivo y presidió en todo momento el entierro del actor, según recuerda todavía con honda emoción en su libro su hermano:<br /><br />“El entierro fue emocionante. A hombros de sus compañeros de profesión salió del tanatorio de la clínica y en la calle nos encontramos con una nutrida multitud que le tributó una larga ovación que él ya no pudo oír. Los, para él, últimos y tristes aplausos (…) Peliche está en mí constantemente como si aún estuviera vivo. Han pasado más de treinta años y todavía (…) cuando veo una de sus películas se mezclan en mí la tristeza del recuerdo con la alegría de ver que todavía lo siguen con admiración, cariño y respeto” [pp. 152-3]<br /><br />Puede pensarse que he escrito aquí sobre cine; pues no, creo que en realidad he escrito sobre humanidad, sobre sensibilidad y benignidad hacia nuestros semejantes, sobre aquello que, en último término, nos hace ser lo que somos, seres humanos. Humanidad de los compañeros de gremio de José Luis. Humanidad que rezuman las conmovedoras líneas escritas por su hermano Mariano aquí reproducidas. Humanidad del propio José Luis; éste es principalmente el rasgo que, para mí, mejor lo define como actor y que, ante mis ojos, lo reviste de considerables dosis de atemporalidad y universalidad. Su vis cómica era innegable, quizá, junto con la de Pepe Isbert, de las mayores de nuestro cine: vis cómica endocéntrica, saliendo hacia fuera desde muy dentro de su propia persona, graciosa ya simplemente colocada delante del objetivo de la cámara. Pero, como le decía yo este verano a un amigo que me habló de los Ozores en una conversación de orilla del mar al atardecer –lugar y momento para grandes reflexiones y confesiones-, José Luis, de largo el miembro con más talento de la saga, era la humanidad hecha actor: sólo con su mirada podía despertar en el espectador cualquiera de las partículas elementales de emoción de las que se compone nuestra existencia: alegría, afecto, ternura, tristeza, melancolía, compasión. Hace ya bastante tiempo que no veo “Hoy como ayer”, pero tirando de memoria, creo que seré capaz de dibujar aquí dos estampas de José Luis en el filme que ilustrarán lo que acabo de exponer. Por un lado, su imagen sedente en la soledad de su mesa de investigador en la biblioteca (innegociable exigencia del guión de su propia vida), visionando viejas filmaciones que le ayudasen a demostrar lo falaz de la tesis de que “cualquier tiempo pasado fue mejor”, crudelísima ironía dado lo terrible de su situación presente mientras se rodaba el filme. Por otro, el hilarante cuadro con colorido pop de José Luis tocado con melena Beatle sentado al órgano Hammond, acompañando desbocado a la que todavía por aquellos entonces se presentaba como Conchita Velasco, en su interpretación del famoso tema de Augusto Algueró y Joaquín Guijarro “La Chica Ye-Yé”. Estaba claro que el mayor de los tres hermanos Ozores, como el payaso que es capaz de hacer reír mientras llora, se aferraba con fuerza a eso de que “The show must go on”, mientras que la vida se le escapaba irremediablemente a borbotones por entre los rincones de su maltrecho sistema nervioso.Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-19950421252582705732011-09-03T15:53:00.000-07:002011-09-04T09:42:10.392-07:00EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS: EL DIABÓLICO TRIÁNGULO DE LA BESTIA HUMANA<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCfN0DxKNoC9BPRBB6-y3JqdCViPjvqFp29aDN8Alib_oAbeHi-OAHuZeyT2IKsHhzKeQB80iOksrIceRl1Diydf5eWAmM3NlVE7NohkSyhos0xsH98eC1uprEtVPNA1qipPI5G3oahxb0/s1600/origen+planeta+de+los+simios.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 224px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCfN0DxKNoC9BPRBB6-y3JqdCViPjvqFp29aDN8Alib_oAbeHi-OAHuZeyT2IKsHhzKeQB80iOksrIceRl1Diydf5eWAmM3NlVE7NohkSyhos0xsH98eC1uprEtVPNA1qipPI5G3oahxb0/s400/origen+planeta+de+los+simios.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5648271077876203666" /></a>
<br />Para qué lo voy a negar. Desde hace ya tiempo me prodigo poco, muy poco, por las salas de cine. Sin embargo, atraído a partes iguales por el tema del filme y por la lectura este verano de un par de reseñas realmente elogiosas a cargo de críticos de los que me fío, esta tarde he ido a ver “El origen del planeta de los simios” ('Rise of the Planet of the Apes'. Rupert Wyatt, 2011). La película me ha parecido realmente interesante y con tanta tela que cortar en su exégesis, que creo que se hará necesario un segundo visionado. Por el momento me limitaré tan sólo a recortar un pequeño retal. Se trata de una escena que actúa de verdadera bisagra en el devenir argumental de la historia. Hasta tal punto impactó en mí la misma que, en mi condición ya asumida –eso sí, a mucha honra- de cinéfilo de salón, moví la mano derecha en un gesto espontáneo, tratando de coger el mando a distancia para dar hacia atrás al DVD y verla de nuevo. Esto me recuerda los ya distantes en el tiempo últimos partidos de fútbol que presencié en un estadio. Cuando me perdía un gol –cosa habitual porque cada vez me dedicaba más al análisis sociológico de lo que acontecía en la grada que a las evoluciones de los jugadores sobre el césped-, me quedaba esperando sin éxito a la repetición televisiva. Pero volvamos a la escena en cuestión. Ésta se caracteriza por presentar una arquitectura diríamos que triangular, puesto que se desarrolla en un vértice de tres personajes: el padre del científico protagonista de la historia, su vecino y la verdadera estrella del filme, el chimpancé César. El padre del protagonista, ya en su tercera edad y aquejado de Alzheimer, aprovecha un día la ausencia de casa de su hijo para, en pijama, bata y zapatillas, salir a montarse en su coche aparcado delante de su domicilio, en un tranquilo y elegante suburbio (en el sentido estadounidense del término) de San Francisco. El coche en el que se introduce el personaje magníficamente interpretado por John Lightgow resulta ser el de su vecino, que es del mismo modelo que el suyo. Debido a su enfermedad, el hombre carece de la coordinación necesaria para manejar el automóvil y, totalmente descontrolado y desbordado por la situación, empieza a golpearlo contra los coches estacionados delante y detrás –aunque en registro y tono bien distintos, la escena dialoga claramente con una similar interpretada por Woody Allen en “Annie Hall” (1977), cuando intenta aparcar con su sempiterna torpeza su escarabajo Volkswagen descapotable delante del gimnasio donde juega al tenis con sus amigos de Manhattan. El vecino, que incrédulo ha observado toda la escena desde una ventana de su casa, se dirige enfurecido hacia su coche y, pensando sólo en los desperfectos sufridos por la máquina, ignora por completo relación vecinal, edad avanzada y grave enfermedad, para dar rienda suelta a la bestia que lleva dentro: aunque su enfermo y desvalido vecino le explica que se ha confundido de coche y trata de disculparse, lo saca violentamente del vehículo agarrándolo por sus ropas, lo zarandea, le vocifera sin compasión, en la propia acera empieza a llamar con el teléfono móvil a la policía y le golpea repetidamente con su dedo índice en el pecho. César, el Prometeo simiesco -no es sólo en esta escena donde el paralelo con el “Frankenstein” de Mary Shelley es nítido- ha sido testigo de todo desde la claraboya de la buhardilla desde donde ha empezado a estudiar el mundo exterior a la casa en la que, como en una burbuja de cristal, ha ido desarrollando unas asombrosas y casi humanas capacidades cognitivas y afectivas, resultado de la experimentación científica de su propio dueño en busca de la cura para su padre. Es precisamente el cariño que siente por el padre del investigador lo que, en su afán por defenderlo, hace que el hasta entonces dócil simio humanizado recurra a su violencia animal y ataque sin piedad al dueño del coche. Lo golpea con fuerza, lo arroja desde el porche de su casa al jardín y, en un momento de terrible crueldad, lo tira al suelo y le arranca un dedo de un mordisco. Los gritos del hombre se entremezclan con los de su hija y con la mirada aterrada del resto de su familia, de sus vecinos, el enfermo incluido, que no da crédito a la conducta que ha presenciado en su querido chimpancé. César recupera entonces su humanidad para horrorizarse de su propia acción (impagable la actuación con la mirada del actor Andy Serkis tras la simiesca máscara durante toda la película), claramente inducida por el terrible descubrimiento que acaba de hacer en su inesperada pérdida de inocencia –afín a la experimentada por la criatura de Shelley: la bestia que el ser humano (sea éste el vecino o el propio mono-hombre) esconde en su interior y que puede convertirlo, en el momento menos pensado, en un lobo que despedaza a dentelladas a su semejante. La salvaje representación de la máxima de Hobbes en un apacible barrio residencial norteamericano, el diabólico triángulo de la bestia humana, la violenta reacción en cadena de relaciones físicas y emocionales entre los tres personajes que llega a alcanzar con inusitada fuerza al espectador componen sin duda una de las escenas de “El origen del planeta de los simios” que más huella, emocionalmente dolorosa aunque a la par intelectualmente estimulante, ha dejado en mí esta tarde de sábado.
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<br />Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-53429608850972234202011-08-31T15:17:00.000-07:002011-10-24T14:15:05.651-07:00EQUILIBRIOS<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIkGOwjsN_-sgn8FGkrFnmZvqUvZJSh36jwgCFwyc_Xg2VU5jpvnAIA1_FwMHcY-xNJaMS57EfH_Mn53kyR_XSOzwe_Wc7m_1-5IyO9VmgRqSukt5WdQ61Olo-XJ1kS7ypqDGQhp52Kvog/s1600/Faro+Corrubedo.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 265px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIkGOwjsN_-sgn8FGkrFnmZvqUvZJSh36jwgCFwyc_Xg2VU5jpvnAIA1_FwMHcY-xNJaMS57EfH_Mn53kyR_XSOzwe_Wc7m_1-5IyO9VmgRqSukt5WdQ61Olo-XJ1kS7ypqDGQhp52Kvog/s400/Faro+Corrubedo.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5647148994721555698" /></a><br /><br /><br /><br />CUERDA FLOJA DE LA VIDA<br /><br />Edificantes resultan sin duda las "lecciones del abismo" que aprendí de Enrique Vila-Matas, quien las aprendió de Julio Verne, que a su vez las había aprendido de Edgar Allan Poe:<br /><br />"Nunca olvidaré el corredor de Saknussemm, en Islandia, por el que viajé fascinado y aterrado en días esenciales de mi infancia, y menos aún el volcán Sneffels, cuyo cráter –según nos descubriera Verne en Viaje al centro de la Tierra– era la puerta de ese corredor, como tampoco se borrarán de mi mente nunca las lecciones de abismo que el profesor Otto Lidenbrock le daba a su joven sobrino Axel, que, intrigado y temeroso, se inclinaba sobre la chimenea central del volcán islandés y se daba cuenta de que una sensación de vacío se estaba apoderando de todo su ser. Sintiendo el pobre Axel que estaba abandonando el centro de gravedad y enajenándose de vértigo, pensaba: “Nada más embriagador que la atracción del abismo.”<br /><br />Esa atracción yo creo que Jules Verne la había registrado ya muy temprano en su propia vida, pero también en su admirado Poe y muy concretamente en un relato de éste, El demonio de la perversidad, donde un personaje al borde de un precipicio mira el abismo y siente malestar y vértigo y también atracción y reflexiona: “Porque nuestra razón nos aparta violentamente del abismo, por eso nos acercámos a él con más ímpetu. No hay en la naturaleza pasión de una impaciencia tan demoníaca como la del que, estremecido al borde de un precipicio, piensa arrojarse en él”.<br /><br />[Enrique Vila-Matas. “Dietario voluble”.]<br /><br /><br /><br />EQUILIBRISTA<br /><br />[Cecilia]<br /><br />Yo quiero ser equilibrista, <br />Paloma, la pluma, reina de la pista. <br /><br />Mi padre quisiera que fuera <br />Su niña estudiosa de alguna carrera. <br /><br />Mi madre prepara mi boda <br />Con un caballero de whisky con soda. <br /><br />Y quiero ser equilibrista, <br />Paloma, la pluma, reina de la pista.<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/sKY9R08dezY?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/sKY9R08dezY?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br /><br />Trailer de la película 'Journey To The Center Of The Earth' (“Viaje al centro de la Tierra”. Henry Levin. 1959)<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/-Xkv0SVahk0?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/-Xkv0SVahk0?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Escena de las Torres Gemelas de la película documental 'Man On Wire' (James Marsh. 2008)<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/m_0PAum18PU?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/m_0PAum18PU?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-14411972669719125842011-07-13T08:23:00.000-07:002011-07-13T16:45:26.316-07:00CASA (ONUBENSE) TOMADA<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8Grob-_wYlfT4oKf3bQGher0SWSSlZ4y9O6gKw6alXuNSJvfJaI-VDvVpZJn0Qw4DOdBZRtd8kAipqjzczJPDl4CmfzKzRby6i7FR_KZXp5bQjdildoO1mkr2D4GR-zgkNT8SAzptU4Ly/s1600/casa++tomada.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 273px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8Grob-_wYlfT4oKf3bQGher0SWSSlZ4y9O6gKw6alXuNSJvfJaI-VDvVpZJn0Qw4DOdBZRtd8kAipqjzczJPDl4CmfzKzRby6i7FR_KZXp5bQjdildoO1mkr2D4GR-zgkNT8SAzptU4Ly/s400/casa++tomada.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5628858463791828546" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_S6J5Lnw7Y7Us4M4-ULGLpnKcUdZDpfndqWsBDC49TNlF1UDSwlw-k6plXhoZZAFTg5r4UiEkXMvFBbBM_cPYMSvsdx3Sm1i5CIl3DBdyMzVLtMC7IS4_1EdLZ220giR-Z5ycLce5Rl2B/s1600/Pata_Negra-Guitarras_Callejeras-.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_S6J5Lnw7Y7Us4M4-ULGLpnKcUdZDpfndqWsBDC49TNlF1UDSwlw-k6plXhoZZAFTg5r4UiEkXMvFBbBM_cPYMSvsdx3Sm1i5CIl3DBdyMzVLtMC7IS4_1EdLZ220giR-Z5ycLce5Rl2B/s400/Pata_Negra-Guitarras_Callejeras-.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5628858337771120226" /></a><br /><br />Para Ángel, generoso donante musical, en el día de su cumpleaños.<br /><br /><br />Recibí hace un par de semanas dos grandes bolsas de plástico llenas casi hasta el límite de su capacidad; contenían la valiosa donación que me hacía un alma generosa: 143 CDs musicales, algunos de ellos dobles. Tras la aplicación de urgencia de mis rudimentarias nociones sobre la tectónica de placas (heredadas de aquellos lejanos cursos de ciencia que tan escasa gracia me hacían), evité la sacudida sísmica en mi complejo y siempre inestable sistema de almacenaje. De este modo, reubiqué DVDs de películas para poner en su sitio lo libros que, a su vez, habían cedido generosamente su espacio a los CDs donados. Afortunadamente, a día de hoy todo sigue en pie. Mientras sacaba los discos de las bolsas, los miraba y los clasificaba mínimamente antes de ubicarlos en la estantería, rápidamente decidí qué canción de qué disco sería la primera que escuchase: “Los managers”, tema inicial del mítico disco de Pata Negra del año 1981, trabajo homónimo del propio grupo. Las razones que me llevaron a dicha elección son las que siguen a continuación. “Casa tomada” es uno de los cuentos más famosos de Julio Cortázar; probablemente, sean muy numerosas las personas que, sin llegar a ser empedernidos y avezados lectores del argentino, lo hayan leído. El mero nombre del relato contiene tales dosis de magia y de misterio que puede ciertamente generar amplias y heterogéneas expectativas en la mente del lector antes de iniciar la propia lectura del mismo. Tal es así, que incluso después de leído, el cuento modelado por la fértil imaginación de Cortázar ha provocado y sigue provocando las más diversas interpretaciones entre críticos y lectores: desde un simbólico alegato contra el régimen de Perón que asfixiaba Argentina hasta una historia de lo fantástico y lo sobrenatural que lo cotidiano puede llegar a encerrar en su interior. En el relato, dos hermanos solteros viven en un régimen cuasi monacal en la antigua casa colonial que siempre perteneció a la familia, a cuyo celoso cuidado han dedicado toda su vida. Pero un buen día un acontecimiento inesperado vendrá a alterar y quebrar para siempre la paz de su plácida existencia. Una presencia extraña, unos intrusos desconocidos, de naturaleza no definida irrumpen en la casa. Poco a poco, los hermanos irán replegando filas hasta los últimos confines de la amplia mansión, a medida que los misteriosos invasores van tomando una estancia de la casa tras otra. Tomada la casa en su totalidad, los dos hermanos se ven abocados al abandono definitivo de la misma. Cuando yo transitaba desde mi última infancia hasta la primera adolescencia, allá por el año 1981, presencié también en el pequeño bloque de pisos de Huelva donde vivía la toma de una casa, a la cortazariana manera, es decir, mediante la irrupción de un elemento externo, no necesariamente fantástico o sobrenatural, que distorsiona y rompe para siempre el orden establecido por la fuerza de lo cotidiano. En la primera planta de mi bloque vivían unos padres con cuatro hijos, unidad familiar todavía no infrecuente en la España de aquel entonces. La vida transcurría con normalidad hasta que uno de los hijos empezó a frecuentar la compañía de otros jóvenes con los que compartía gustos musicales y no tan musicales. El hijo empezó a “meter en casa” a sus amigos, cada uno de su madre y de su padre: uno con una camiseta sin mangas con la faz de Bruce Lee en el torso, otro con un gorro de lana con los colores de la bandera de Jamaica, un tercero que, para ir a juego con el segundo, traía bajo el brazo varios LPs de Bob Marley, entrelazados con alguno de Triana; eran los tiempos de aquello que, lo confieso y me imagino que será por propia incapacidad, ni entendía entonces ni entiendo ahora, el “rock andaluz”. En un primer momento, las reuniones músico-festivas del vástago y sus colegas se circunscribían a los límites de la habitación de éste, eso sí, con el tocadiscos a todo tren. Los padres y hermanos, aunque no veían dichas prácticas con buenos ojos, aprendieron, no obstante, a convivir con ellas. Asfixiados (literal y metafóricamente) entre las paredes del dormitorio, el (mal) hijo y sus secuaces procedieron, de manera sorpresiva, a la toma del salón familiar. El resto de la familia se recluyó entonces en una pequeña salita de estar (estrujados). Las ancestrales voces mestizas de Marley relatando cómo le había disparado al sheriff (“I Shot The Sheriff”) y los quejíos profundos y existenciales de los rockeros andaluces de Triana (“Hijos del agobio”) se entrecruzaban ruidosa y anárquicamente con las voces de los invasores domésticos, con los vidrios ámbar que contenían la abundante y helada cerveza y con los chispazos de los mecheros de yesca que encendían eso que el insigne cómico sevillano Paco Gandía definía en sus “historias verídicas” como “cigarrillos morunos”. De mis palabras habrá deducido el lector que también la cocina de la casa, en especial la nevera (lo que posteriormente se convirtió en frigorífico cuando todos nos hicimos más finos), había sido conquistada por las huestes enemigas a las que el ínclito hijo había abierto traidoramente la compuerta del Caballo de Troya. Cuando la situación se hizo del todo insostenible, los padres, que tenían otra vivienda en la ciudad, cogieron a sus otros tres hijos, sus bártulos y abandonaron el piso, haciendo entrega de las llaves del mismo al díscolo y musical hijo me imagino que con un lacónico: “Aquí te quedas, toda la casa para ti”. Idos ya padres y hermanos, el hijo triunfante y sus tropas tomaron el último bastión de la casa, cuando los rigores del verano apretaban ya de lo lindo: el balcón. Ahí los recuerdo a todos ellos ahora, 30 años después, como si los estuviera viendo, mientras jugaba a la pelota con mis amigos del barrio (en la calle, por entonces, se jugaba a la pelota, no al fútbol): eufóricos, saltando, “privando” de lo lindo (término muy de la época) y aromatizando al vecindario con el humo del tabaco preñado de aromas de la cordillera del Atlas marroquí; por supuesto, la música sonando “a toda leche” y ellos cantando a coro con los hermanos Amador y sus guitarras callejeras, mezcladas con festivos sonidos a medio camino entre orquestina oriental y zíngaro espectáculo ambulante de la cabra: “Teníamoh unoh manaye qu’eran de Güerba, y uno medio carbo y elotro con coleta, y er Nono desía, ¿qué eh lo que pasa, qué eh lo que pasa?”. Me imagino que mientras la casa onubense era tomada, padres y hermanos del interfecto se preguntarían para sus adentros a cada instante: “¿qué es lo que pasa, qué es lo que pasa?”.<br /><br /><br />Pata Negra: Camarón / Los managers (En directo en el Colegio Mayor Universitario San Juan Evangelista de Madrid, 1988)<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/mHPL1mRs32k?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/mHPL1mRs32k?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Bob Marley and The Wailers: I Shot The Sheriff (Versión en directo)<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/fVcFg-aOAdU?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/fVcFg-aOAdU?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Triana: Hijos del agobio<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/LOWR4QBnk4A?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/LOWR4QBnk4A?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-19638349386796618822011-07-06T15:11:00.000-07:002011-07-07T04:11:01.306-07:00GALES 1955: Y EL FANDANGO PARAO DE ALOSNO SONÓ EN LA BBC<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigGu5P-uzuvm8SfzMviov-7dMQYx22PE_zUUHxh8vuVnXd9c55RwRr02_SgIFvg-M8oEGGsKHVWvxjxucAIJt4tggnTFSgKzK5bEOWQdQrEl2OxN7r7PWm3evZbQKm0kyBjERYfQXPouk3/s1600/joaquin6.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 264px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigGu5P-uzuvm8SfzMviov-7dMQYx22PE_zUUHxh8vuVnXd9c55RwRr02_SgIFvg-M8oEGGsKHVWvxjxucAIJt4tggnTFSgKzK5bEOWQdQrEl2OxN7r7PWm3evZbQKm0kyBjERYfQXPouk3/s400/joaquin6.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5626368279860601730" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxeEboyYh-4gXMkmyjp31zDmzG7qJ2uEJlUonGwkXbSn-eP9pTg3Idf8tg7Ie0pAWxG-aqkFaW8ECpDY38WZgOkaLHHsKTK8U3sZWXrEe5Geq4felc6IH9gXiZqEhp1ugpvev5ax5wYEH7/s1600/llangollen+2.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 300px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxeEboyYh-4gXMkmyjp31zDmzG7qJ2uEJlUonGwkXbSn-eP9pTg3Idf8tg7Ie0pAWxG-aqkFaW8ECpDY38WZgOkaLHHsKTK8U3sZWXrEe5Geq4felc6IH9gXiZqEhp1ugpvev5ax5wYEH7/s400/llangollen+2.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5626368166051781058" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNHvgn98dAT8CdRf5eO_J-s2U9CyOYpAV7-prm6N8hyUHF_jfE79G9h6Rv2C8_uXC5DC5KimXO9zxhYVpBBxTtQu0U8kGVHh1NKK349N0qFUR7sN6xPbufG62Y7TcpXjW62n7Swt-cSYqP/s1600/Llangollen-Eisteddfod+1.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 272px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNHvgn98dAT8CdRf5eO_J-s2U9CyOYpAV7-prm6N8hyUHF_jfE79G9h6Rv2C8_uXC5DC5KimXO9zxhYVpBBxTtQu0U8kGVHh1NKK349N0qFUR7sN6xPbufG62Y7TcpXjW62n7Swt-cSYqP/s400/Llangollen-Eisteddfod+1.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5626368081881367506" /></a><br />En el mes de abril de 1955 llegó la noticia de que el Grupo de Danzas “Nuestra Señora de la Cinta” había sido seleccionado, entre los diversos grupos que existían en España, con el fin de que la representara en los Festivales Internacionales de Canciones, Músicas y Danzas (“International Musical Eisteddfod”) que anualmente se celebraban en Llangollen (País de Gales). Emprendió camino la expedición y, tras recorrer toda España, se unió en Irún al Grupo Coral de Mineros de Turón (Asturias), que también tomaría parte en el concurso en la especialidad de Masas Corales.<br /><br />Nota sobresaliente de este evento musical fue que la BBC hizo acto de presencia en el mismo y se televisó en directo el festival para toda Gran Bretaña. Por el teatro de la capital británica, que era una gigantesca tienda de lona bajo la que se cobijaban miles de personas cómodamente sentadas y ávidas de emociones y finezas musicales, fueron desfilando las más de 20 agrupaciones de Alemania, Lituania, Rusia, Estados Unidos, Italia, Nueva Zelanda, etc. Fueron actuando los diversos grupos e irrumpió en el escenario la agrupación musical de Huelva y, a los primeros compases de sus instrumentos, el clamor del público fue ensordecedor.<br /><br />Los onubenses, despojados de las chaquetillas y, tal como exigía la danza, armados de las correspondientes navajas, se alinearon para interpretar el “Fandango Parao” de Alosno. El conjunto plástico que se ofrecía desbordaba en su calidad a la de otros conjuntos. Era una actuación que llevaba la idea de la ingravidez humana en triunfo del espíritu: expresiones fisonómicas, cuerpos, miradas, verbo rítmico, suprema elocuencia de lo perfecto, de lo inefable. Arte singular, cumbre y encumbramiento de una época. El fallo del jurado fue unánime: Primer Premio Mundial de la Competición de Danza: Grupo de Danzas “Nuestra Señora de la Cinta” de Huelva (España).<br /><br />Además del coro y los bailarines, el Grupo constaba de una rondalla. En concreto, la rondalla que se desplazó a las islas británicas la formaban José Gómez Barros, Manuel Gómez, Joaquín Fernández y Manuel Pascual Fragoso (Director). <br /><br />[Texto adaptado por mí de: Martínez Navarro, Antonio José (2000) “Historia menuda de Huelva”, volumen IV]<br /><br />El componente de la rondalla llamado Joaquín Fernández, que, tal día como hoy, 6 de julio, cumplió 21 años en Gales durante la celebración del Festival, era mi padre. La fama alcanzada por el Grupo de Danzas “Nuestra Señora de la Cinta” de Huelva lo llevó en octubre de 1966 a Nueva York, donde actuó en lugares como Park Avenue, 52nd Street, Central Park y en la Gran Parada del 12 de octubre, Día de la Hispanidad, que recorrió la Quinta Avenida. También intervino el Grupo en tres películas rodadas en Huelva: “El hombre que nunca existió” (“The Man Who Never Was”, 1956. Dirigida por Ronald Neame e interpretada por Clifton Webb, Gloria Grahame y Cyril Cusack), “Pasión en el mar” (“L’ile des désespérés”, 1956. Dirigida por Arturo Ruiz Castillo e interpretada por Pascale Roberts y Conrado San Martín) y “La fuente mágica” (“Magic Fountain”, 1963. Dirigida por Fernando Lamas e interpretada por él mismo y Esther Williams).<br /><br />Fotos de arriba hacia abajo: mi padre y sus amigos, unidos por la música, caminando tranquilamente sobre las adoquinadas calles de la Huelva de primeros de los años 60; la gran carpa donde todavía hoy en día se sigue celebrando anualmente el Llangollen International Musical Eisteddfod; el colorido ambiente en las calles de Llangollen durante la celebración del Festival.Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-54109568626213431272011-05-30T07:33:00.000-07:002011-05-30T14:33:26.200-07:00ESTAMPAS NEOYORQUINAS (2): KENNY DORHAM EN EL CAFÉ BOHEMIA<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtjxoKE7Lb_l74ElIxTjVLJHpcmhs5T9GjqMBsPG6KSQNakjkCa_wdWbrg1sI0HskphjLkBFQBhlAeHmwS_zwIEkrvq5QJcmO1lY0xLlHy0QZg0U4d1CSpfB2HnxQVRPzGP3mwTcUWbr8V/s1600/kenny+dorham.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 300px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtjxoKE7Lb_l74ElIxTjVLJHpcmhs5T9GjqMBsPG6KSQNakjkCa_wdWbrg1sI0HskphjLkBFQBhlAeHmwS_zwIEkrvq5QJcmO1lY0xLlHy0QZg0U4d1CSpfB2HnxQVRPzGP3mwTcUWbr8V/s400/kenny+dorham.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5612524375636123826" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRwp9lWM-Q1ueWd6kOXp-Jjq8yItNLYzM3asE723Y7cXX-ABfDn_UPRL7rVDo48e104R1ttoO-DOR7dzIsTElUJ5Gm5_1PPA1lNThIX-05BcZcC8C_7Q45DpUqRVkDJvooiokS5vlEwLOr/s1600/ella+leonard.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 295px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRwp9lWM-Q1ueWd6kOXp-Jjq8yItNLYzM3asE723Y7cXX-ABfDn_UPRL7rVDo48e104R1ttoO-DOR7dzIsTElUJ5Gm5_1PPA1lNThIX-05BcZcC8C_7Q45DpUqRVkDJvooiokS5vlEwLOr/s400/ella+leonard.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5612524282447507122" /></a><br />Si el jazz fuese una religión (que lo es), los clubes serían sus templos (que lo son), y Nueva York sería su ciudad santa, (que sin duda lo es). De todo ello encuentro un ejemplo perfecto en la figura de la percusionista de jazz Carola Grey. En el capítulo “Una joven que se marchó en busca del jazz”, del interesantísimo libro “Nueva York” (editado con profusión de magníficas fotografías por Christine Metzger en 2000), Grey nos relata en primera persona su personal peregrinación a Nueva York, la Meca del jazz, y en concreto su búsqueda diríase que espiritual, casi mística de los clubes de jazz de esa ciudad, a los que se refiere con la elocuente expresión “las salas sagradas”: “Hoy día, todavía recuerdo la euforia que me sobrevino cuando por primera vez me encontré en una de las amplias avenidas de Nueva York, con sus luces parpadeantes y los taxis (entonces cuadrados) pasando deprisa a mi lado. Mi primer itinerario me llevó al Village Vanguard, uno de los clubes de jazz más antiguos, donde esa noche actuaba Billy Hart (…). Pasé la velada en trance (…). Cuando en un momento a lo largo de la noche Billy Hart me dio las baquetas y me invitó a subir al escenario, alcancé la felicidad absoluta (…). Durante mi estancia en la ciudad iba a los clubes por las noches para escuchar a los músicos, establecer contactos y empaparme de todo lo que ocurría a mi alrededor. Al fin y al cabo, quería descubrir el secreto, quería averiguar cómo los músicos de jazz de Nueva York habían conseguido crear un sonido propio. Cada noche realizaba mi ronda por el Village: Sweet Basil, Blue Note, Vanguard, Visions, Village Gate, Mondo Perso… Por desgracia, algunos de estos locales ya no existen hoy día”. Precisamente uno de esos clubes otrora radicados en el renombrado y muy musical, literario y artístico barrio de Greenwich Village, pero ya desaparecidos en la actualidad, constituye el imaginado templo donde gusto de profesar mi más íntimo y personal culto como creyente del jazz: el Café Bohemia. El Café Bohemia fue inaugurado en 1955 por Jimmy Garofolo en el número 15 de Barrow Street, justo enfrente de donde residían por aquel entonces Charlie Parker y el poeta Ted Joans, miembro de la bohemia Generación Beat y autor de los famosos graffiti de “Bird Lives” en recuerdo y honor del saxofonista prematuramente desaparecido. El aura de Bird, que murió antes de poder llegar a ofrecer en el club las actuaciones que ya tenía firmadas, así como la atmósfera de libertad y de integración racial que, a mediados de los 50, reinaba en el local, hicieron del Bohemia un centro neurálgico del jazz neoyorquino, por el que pasarían para registrar grandes discos en directo nombres de la talla de Miles Davis, Charles Mingus, Randy Weston o Art Blakey. Precisamente de Blakey y sus reputados Jazz Messengers, portadores de la buena nueva del hard bop (ese rico estilo jazzístico preñado de gospel), proviene mi incondicional devoción por el Bohemia. La audición de los dos discos que los mensajeros del jazz, sabia y magistralmente comandados por el heraldo Blakey, grabaron allí en directo en el año 1955 ('Art Blakey And The Jazz Messengers: Live At The Café Bohemia, Vols. 1 & 2') modeló ante los ojos de mi imaginación una imagen del club como verdadera tierra prometida del jazz. Si al principio de la creación del mundo fue el verbo, en el particular libro del Génesis del Café Bohemia lo primero fue el sonido prístino, esencial que, emanado del propio Ser Supremo del jazz, llegó a los devotos aficionados a través del mensaje musical diáfano y cristalino transmitido por Blakey y sus discípulos, en especial la poderosa percusión ancestral, evocadora de milenarios ritos tribales, que puede oírse en los minutos iniciales del gran tema 'Avila and Tequila', incluido en el volumen 2. La euforia, trance y felicidad absoluta de las que nos hablaba antes Carola Grey terminaron también por llegar hasta mí, pero esta vez de la mano de un profeta salido del propio seno de los mensajeros de Blakey: Kenny Dorham. Para mí, uno de los mejores trompetistas de la historia del jazz, apreciación esta puramente personal, pero creo que ciertamente válida en un género musical complejo y heterogéneo, muy atado siempre a las sensaciones del momento y a la atracción de lo efímero, donde las filias y fobias del aficionado emanan directamente de los más hondos arcanos de su propia persona. Dorham, plenamente consciente de su gran talento interpretativo y compositivo (no en vano había tocado a la diestra del Padre, Charlie Parker, y el propio Miles Davis, tan austero en eso del amor al prójimo del jazz, había llegado a señalarlo directamente como una de sus influencias más decisivas), abandonó la tribu de Blakey para, junto con un grupo de fieles a los que bautizó como "Jazz Prophets", emprender la larga travesía del desierto hasta la tierra prometida, por supuesto, del Café Bohemia. Una vez hubieron arribado allí en 1956, legaron a las generaciones venideras sus proféticas revelaciones en forma de disco magistral, 'Kenny Dorham And The Jazz Prophets: ‘Round About Midnight At The Café Bohemia'. La labor de los profetas nunca fue fácil pues en no pocas ocasiones sus palabras, que provenían directamente de la deidad, fueron ignoradas, incomprendidas o malinterpretadas por el pueblo. Algo de esto debió sin duda de ocurrirle a Kenny Dorham, ya que lo busco en la extensa base de datos de más de 250 músicos de jazz de mi “Guía del Jazz Ocium” en CD-Rom y no lo encuentro, y cuando lo encuentro en algún otro lugar, siempre se me aparece portando el pesado estigma de 'underrated' (“infravalorado”). Realmente me es igual, pues cada vez que, a eso del filo de la medianoche, me sumo a las animosas filas de la fiel feligresía del Café Bohemia, para escuchar las largas frases majestuosa y milimétricamente construidas, las prodigiosas progresiones de acordes, así como los bellos y sinceros sonidos agridulces que su trompeta produjo entre las cuatro paredes del humeante y efervescente club del Village neoyorquino allá por 1956, yo sí creo poder llegar a entender el verdadero sentido de las reveladoras palabras del profeta Dorham.<br /><br /><br />How To Find Great Jazz In New York City (Pequeña guía audiovisual de los clubes de jazz neoyorquinos)<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/zFXJ42HRoKE?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/zFXJ42HRoKE?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Kenny Dorham and The Jazz Prophets: Royal Roost (En directo en el Café Bohemia, 1956)<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/lfc4tAd_ED8?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/lfc4tAd_ED8?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Kenny Dorham and The Jazz Prophets: 'Round About Midnight (En directo en el Café Bohemia, 1956)<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/_ohyYeAoaDA?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/_ohyYeAoaDA?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Art Blakey and The Jazz Messengers: Avila and Tequila (En directo en el Café Bohemia, 1955, con Kenny Dorham a la trompeta)<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/6HUfU7F1pac?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/6HUfU7F1pac?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Art Blakey and The Jazz Messengers: Gone With The Wind (En directo en el Café Bohemia, 1955, con Kenny Dorham a la trompeta)<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/iyuDVMGitlI?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/iyuDVMGitlI?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Charles Mingus: Nostalgia In Times Square (Hard Bop, Nostalgia y Nueva York en un gran tema grabado por Mingus en 1959)<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/LSWeY_pWEvA?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/LSWeY_pWEvA?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-59208739491434107032011-05-20T14:42:00.000-07:002011-05-20T15:06:54.125-07:00SEPTIEMBRE BAJO LA LLUVIA EN UN VERANO DE LA NIÑEZ<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7P8l8FeyhOAo8xTnA5-D_za9Pzkaamxo6dBEHiRWCmAqmS9X1xFcgQT9hBY3-2fJWds8Fe8v9evKGnxOiqUdd-Pecq3HX8oqrG4R0Ade5lDaYXFYU2fYRZFOrocmG48GNGGiWliVQU0yX/s1600/Playa+de+Mazag%25C3%25B3n.JPG"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 225px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7P8l8FeyhOAo8xTnA5-D_za9Pzkaamxo6dBEHiRWCmAqmS9X1xFcgQT9hBY3-2fJWds8Fe8v9evKGnxOiqUdd-Pecq3HX8oqrG4R0Ade5lDaYXFYU2fYRZFOrocmG48GNGGiWliVQU0yX/s400/Playa+de+Mazag%25C3%25B3n.JPG" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5608921712378849858" /></a><br />A mediados de los setenta yo era un niño y la playa onubense de Mazagón era el Paraíso Terrenal. Allí solía pasar los infinitos veranos de la niñez, en compañía de mis padres, mi hermano y de unos vecinos a la par que amigos íntimos, a cuyos hijos conocía de nacimiento. Cuando ahora miro hacia atrás a aquella época, el recuerdo de aquellos largos veranos, levemente difuso ya en los pequeños detalles, pero gloriosamente diáfano en los grandes trazos, despliega ante mí el dibujo ameno e idealizado de una Arcadia infantil: una existencia placentera, profundamente feliz aunque sin ningún tipo de artificios, que durante tres largos meses- los que iban del quince de junio al quince de septiembre-, quedaba completamente al margen e inalterada por los avatares de la vida durante el período escolar. En la amplia casa alquilada que habitábamos ambas familias, el animado centro de reunión nocturna no era el salón sino la amplia terraza con su gran balconada, y la pantalla a la que dirigíamos las miradas no era la de la televisión – que ni siquiera teníamos-, sino el negro inmenso del cielo estival que, majestuoso, se ofrecía ante nosotros cual mágico teatro de los sueños. Los programas de los que podíamos disfrutar en tamaña pantalla eran a cada cual mejor: una inesperada y meteórica lluvia de estrellas, que rasgaba la oscuridad del firmamento con su fugaz blancura; el esperado y ritual paso a la misma hora de la noche de un satélite artificial, que orbitaba sobre nuestras cabezas durante un par de minutos y que para unos niños era un cohete con rumbo a la luna y para otros un platillo volante que vigilaba sigiloso nuestros movimientos; las minúsculas luces de alguna nave nocturna que, inadvertida para el común de los mortales, avanzaba lentamente para perderse en el precioso y evocador conjunto de las luces del puerto. Cuando se acababa la programación celeste, llegaba el ansiado y reconfortante momento musical nuestro de cada día: los dos padres, guitarra en ristre, nos regalaban una interminable secuencia de melodías extraídas de la banda sonora de su juventud. Quizá en aquel momento, aunque bonitas y entretenidas, podían parecerme algo anticuadas; ahora todas ellas ocupan por pleno derecho su lugar particular en mi corazón. Cuando hoy en día cojo de mi amplia colección un disco de Nat King Cole, en su mayoría de su etapa jazzística norteamericana, inmediatamente viene a mi mente los tiempos en que “si Adelita se fuera con otro, la seguiría por tierra y por mar” y veo aflorar en mí mucho de lo mejor de mí mismo. El inmenso arenal de la playa era obviamente otro de los grandes escenarios: salpicado por contadas sombrillas y enmarcado, por un lado, por la hilera de toldos donde todo el mundo se conocía y se desarrollaban conversaciones y escenas de una animación diría que felliniana y, por otro, por la lejana orilla del mar, a la que la espectacular anchura de la playa parecía colocar siquiera unos metros por delante de la línea del horizonte. La playa era por aquel entonces una pequeña ciudad de los prodigios, como el acaecido un verano entrado ya el mes de septiembre y con el que pondré fin a mi paseo por la memoria de aquellos estíos. Los niños y uno de los padres nos embarcamos pasado el mediodía en uno de nuestros habituales paseos-aventura hacia los remotos confines de la playa, donde el paisaje, tachonado de rojizos cabezos, se iba haciendo cada vez más agreste. Mientras caminábamos por la fina arena en animada charla, alejándonos cada vez más de la civilización, el cielo, sin que nos percatáramos de ello, inició una repentina metamorfosis cromática: del azul radiante al gris preocupante, para acabar en un violeta decididamente amenazante. Sin camiseta, sin chanclas, sólo con el bañador y en la tierra de nadie playera, donde no había ni bañistas ni toldos donde poder cobijarse, se precipitó sobre nuestras cabezas con toda su fuerza ancestral y primigenia una poderosa tormenta de verano. Pensando que el mejor remedio contra el agua era la propia agua, corrimos en desbandada a zambullirnos en el mar: lluvia purificadora sobre las sagradas aguas marinas, comunión inolvidable del líquido elemento con nuestro propio ser. Septiembre bajo la lluvia en un verano de la niñez.<br /><br />Incluyo a continuación una selección de canciones directamente inspirada por mi texto:<br /><br />Dinah Washington: September In The Rain<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/xTcOP2CZmpM?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/xTcOP2CZmpM?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Ella Fitzgerald & Louis Armstrong: Stars Fell On Alabama<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/YzGKm1XC_aY?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/YzGKm1XC_aY?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Dinah Washington: Destination Moon<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/0pkiSPoZiIU?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/0pkiSPoZiIU?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Brian Setzer: Flying Saucer Rock ‘n’ Roll<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/0EHWB4NLMHY?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/0EHWB4NLMHY?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Elvis Presley: Harbor Lights<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/UhWO8jhq5Jc?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/UhWO8jhq5Jc?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Nat King Cole: Noche de ronda<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/bOLUOQdL-Sw?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/bOLUOQdL-Sw?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Pat Boone: Love Letters In The Sand<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/2ENzT9k1LRs?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/2ENzT9k1LRs?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Nina Simone: Take Me To The Water<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/If6i59NUfkk?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/If6i59NUfkk?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-47555675725311559112011-05-08T13:53:00.000-07:002011-05-20T14:23:06.066-07:00ESTAMPAS NEOYORQUINAS (1): DINAH WASHINGTON EN MANHATTAN<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioPspI2uf6Bpt7FxFRS9XA6E-VV5fR9rJO105qakhoJZVxhATn5LOjyJLV7CiGHBxoGUaDjbsxBbvi6KstFE-8qi4e26Jee5ucx6WZ2WKJ5ujapSzTxHIjPRhcCKhkr8wepL0EK2nGRPqi/s1600/dinah+washington+blows+palm+of+hand.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 267px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioPspI2uf6Bpt7FxFRS9XA6E-VV5fR9rJO105qakhoJZVxhATn5LOjyJLV7CiGHBxoGUaDjbsxBbvi6KstFE-8qi4e26Jee5ucx6WZ2WKJ5ujapSzTxHIjPRhcCKhkr8wepL0EK2nGRPqi/s400/dinah+washington+blows+palm+of+hand.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5604469575385894194" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvOvZyr7XqWziR7qFimW7N0BEcYMzZi5PqT8paxYeRdKzfVmTLnsWAe7FQd4wyl3mOWKU_idIJEb2PF95NxFZWxihycl8F5AkUl00anQH7B2ZEZ8wmxLTGdPVZ4d1CF2LA_Ubi7PbW9sgP/s1600/dinah+washington+passion.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 306px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvOvZyr7XqWziR7qFimW7N0BEcYMzZi5PqT8paxYeRdKzfVmTLnsWAe7FQd4wyl3mOWKU_idIJEb2PF95NxFZWxihycl8F5AkUl00anQH7B2ZEZ8wmxLTGdPVZ4d1CF2LA_Ubi7PbW9sgP/s400/dinah+washington+passion.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5604469516884516018" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEpHpyA4byjIUK6qwLPu_NwoRa4jGtaC5-j_Ct3U6XM3kfJbaJZWQqzvvu6s3bIc9xTvpIxYT0Fkm15jPCtS_k_X4qTUd_SKddxx7U0XUQTTS20K14HEpDmfEgT1Jybso-GkjsBxmhau1Y/s1600/ventanas+de+manhattan.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 233px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEpHpyA4byjIUK6qwLPu_NwoRa4jGtaC5-j_Ct3U6XM3kfJbaJZWQqzvvu6s3bIc9xTvpIxYT0Fkm15jPCtS_k_X4qTUd_SKddxx7U0XUQTTS20K14HEpDmfEgT1Jybso-GkjsBxmhau1Y/s400/ventanas+de+manhattan.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5604469447588460898" /></a><br /><br /><br />Nunca en mi vida he puesto un pie en Nueva York; o ahora que lo pienso mejor, quizá sí. Definitivamente, no he puesto un pie en Nueva York, sino los dos, y no sólo los he puesto, sino que también los he movido ampliamente por la gran urbe, llevándolos de acá para allá en un interminable recorrido por sus avenidas, plazas, parques, puentes y clubes. Y no precisamente en pocas ocasiones. Tal es el poder y la magia de la música, el cine y la literatura: vehículos raudos y potentes que no conocen límites o distancias ni en el espacio ni en el tiempo, que nos conducen con maestría y precisión entre los innumerables rincones y vericuetos de nuestra topografía sentimental. De mis imaginados trayectos por el mapa neoyorquino han quedado impresas en mi mente y en mi corazón, de manera nítida e indeleble, un buen número de emotivas y enriquecedoras estampas. Dejadme que de entre todas ellas elija algunas para ir compartiéndolas con vosotros en las entradas de mi blog. He aquí la primera de ellas.<br /><br /><span style="font-weight:bold;">Dinah Washington en Manhattan</span><br /><br />En "Ventanas de Manhattan" (su espléndido diario-relato-libro de viaje sentimental neoyorquino), escribe Antonio Muñoz Molina: “En aquel viaje yo le regalaba mis lugares más queridos de Nueva York a la mujer que iba conmigo, los que había encontrado yo a solas, en caminatas que siempre tenían una emoción simultánea de aventuras de descubrimiento del mundo y descensos al interior de mí mismo (…) Cuando los días se volvieron despejados calculé la hora más propicia y fuimos al otro lado del puente de Brooklyn para cruzarlo a pie hacia Manhattan”. A veces, soy yo el que calculo meticulosamente la hora más propicia para disfrutar del placer de escuchar a Dinah Washington cantar y contar los sugerentes sonidos e imágenes de 'Manhattan' (Rodgers / Hart): siempre en el momento en que la noche cruza el umbral del nuevo día, cuando, aun vencida por las múltiples empresas del viejo día, la mente se vuelve despejada; es entonces cuando la seductora voz de Dinah ejerce todo su poder sobre mí, intercambia los papeles asignados al hombre y a la mujer en el texto de Muñoz Molina, y tiende ante mí un imaginario puente de Brooklyn por el que ambos dirigimos nuestros pasos hacia Manhattan y comenzamos a caminar por sus largas avenidas. De Dinah me encandila la aterciopelada robustez de su voz, pero también la glamurosa sensualidad de su imagen. Visualizo en el disco una foto de ella que me atrapa al instante: en delicado escorzo, tocada con vestido y pieles de un blanco que contrasta majestuosamente con la suave oscuridad de su piel, alarga su brazo izquierdo y parece querer soplar sobre la palma de la mano, para extender en derredor algo que en ella tuviese depositado. Yo sé bien lo que es: son las evocadoras notas de su canción que, cual polvos mágicos, van haciendo desfilar uno tras otro ante los ojos de mi mente escenarios neoyorquinos una y mil veces soñados. Los lugares de Nueva York que en mágica sucesión me va regalando Dinah con su voz se aparecen como metafóricas estaciones de un largo trayecto gnóstico: aquel en el que la cantante fue descubriendo el mundo y descendiendo hasta el interior de sí misma, reinventándose continuamente en lo musical, desde el gospel al pop atravesando por el jazz y el blues. Me voy a escuchar su canción una vez más, y mucho antes de que lo haga Leonard Cohen en su 'First We Take Manhattan', Dinah y yo “tomaremos Manhattan, el Bronx y también Staten Island, pasearemos por Central Park y convertiremos Manhattan en una isla de alegría” (‘We’ll take Manhattan, the Bronx and Staten Island too / in Central park we’ll stroll/ we’ll turn Manhattan into an isle of joy’).<br /><br /><br />Dinah Washington: Manhattan<br /><br />We'll take Manhattan<br />the Bronx and Staten<br />Island too.<br />It's lovely going through<br />the zoo!<br />Well, <br />It's very fancy<br />on old Delancy<br />street you know.<br />The subway charms us so<br />when balmy breezes blow<br />to and fro.<br />And tell me what street<br />compares with Mott Street<br />in July?<br />Sweet push carts<br />gently gliding by.<br />The great big city's<br />a wondrous toy<br />just made for a girl and boy.<br />We'll turn Manhattan<br />into an isle of joy!<br />We'll go to Yonkers<br />Where true love conquers<br />In the whiles<br />And starve together<br />dear, in Chiles<br />We'll go to Coney<br />And eat baloney on a roll<br />In Central Park we'll stroll<br />Where our first kiss we stole<br />Soul to soul<br />And for some high fair<br />We'll go to "My Fair Lady" <br />We'll hope it closes someday<br />The city's clamor<br />can never spoil<br />The dreams of a boy and goil<br />We'll turn Manhattan<br />into an isle of joy!<br />The city's bustle cannot (no it cannot) destroy<br />The dreams of a girl and boy --<br />We'll turn Manhattan<br />Into an isle of joy.<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/IdIxvd41BWo?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/IdIxvd41BWo?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Dinah Washington: Send Me To The Electric Chair<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/ONzHE1d11v4?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/ONzHE1d11v4?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Dinah Washington: What A Difference A Day Makes<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/OmBxVfQTuvI?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/OmBxVfQTuvI?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Dinah Washington: I’ve Got A Crush On You<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/PjVnBFvS4u4?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/PjVnBFvS4u4?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Dinah Washington: Time After Time<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/d68c7IsEeCs?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/d68c7IsEeCs?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Dinah Washington: A Bad Case Of The Blues<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/Hpb-1vH2F5g?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/Hpb-1vH2F5g?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-91628974190658205922011-03-16T15:26:00.000-07:002011-03-25T14:55:01.741-07:00VIAJANDO POR LA AUTOPISTA DEL BLUES<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjANMHlzB-uv0lKgaLhLZgwP51WCgVHusuvSY82LnAJ18SJQunzwDbC0Z7oc0xUvdGJKZStPuCqhRuBf19cwfiQWgELg1gfn1i3GwH0S1e5JiitcH8OSY7Gnwoi78yNGaww959kATIP5IZK/s1600/country+blues.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 385px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjANMHlzB-uv0lKgaLhLZgwP51WCgVHusuvSY82LnAJ18SJQunzwDbC0Z7oc0xUvdGJKZStPuCqhRuBf19cwfiQWgELg1gfn1i3GwH0S1e5JiitcH8OSY7Gnwoi78yNGaww959kATIP5IZK/s400/country+blues.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5584812131260352274" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgChyailpvmYLaNn-pJv8ZGaS1PD2ra0708pdk_wjveuN2d4qSje4ALd_U4hpvCURJYhVyiYb4XFBpMs-weIf1H9L5YN0cLjgsLnd4pfa1NZ67pd2j7gwt-ntiR3MIDGeqHSOls-2qa5nN8/s1600/blues+highway.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 299px; height: 227px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgChyailpvmYLaNn-pJv8ZGaS1PD2ra0708pdk_wjveuN2d4qSje4ALd_U4hpvCURJYhVyiYb4XFBpMs-weIf1H9L5YN0cLjgsLnd4pfa1NZ67pd2j7gwt-ntiR3MIDGeqHSOls-2qa5nN8/s400/blues+highway.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5584812064877557346" /></a><br />[Fragmentos del artículo 'Traveling the Blues Highway', publicado por Charles E. Cobb, Jr en la revista <span style="font-style:italic;">National Geographic </span>en abril de 1999. Mi traducción]<br /><br /><br />“Samuel Reuben Kendrick, mi bisabuelo, nació esclavo en Alabama. En 1888 fundó una colonia agrícola llamada Nueva África sobre 160 acres que le había comprado al ferrocarril cerca de Duncan, Mississippi. Entre los múltiples contratiempos que tuvo que afrontar (inundaciones, plagas del gorgojo del algodón, vencimientos de préstamos bancarios), hubo un incidente que lo convenció definitivamente de que debía marcharse de Mississsippi. Cuando un aparcero de una plantación cercana le pidió permiso para vivir y trabajar en sus tierras, Sam Kendrick mandó un carro para que recogiese a la familia y los enseres del hombre. Entonces, un grupo de blancos encabezados por el dueño de la plantación cogió a mi bisabuelo y lo derribó a base de golpes de mango de hacha, maldiciéndolo por haberse llevado a uno de sus trabajadores. Robarle al hombre blanco, así lo llamaron. Poco después del incidente, en un frío día de enero de 1909, mi bisabuelo estaba reparando el pequeño puente de madera que cruzaba el lago que había en los límites de su propiedad. Con la mente puesta en otro sitio –quizá en sus planes para comenzar de nuevo en Tejas-, dejó caer al lago su martillo. Se metió en el agua a cogerlo y después continuó dando martillazos. Esa noche sintió escalofríos por todo el cuerpo. Unos días más tarde, Samuel Kendrick murió de neumonía, a la edad de 56 años.<br /><br />La expresión “having the blues” (“tener el blues / estar deprimido”) se acuñó en la Inglaterra del siglo XVIII, donde, en argot, “blue devils” (“los diablos azules”) significaba “melancolía”. Pero fueron penas como las de Sam Kendrick, frecuentes entre los negros después de la Guerra Civil, las que forjaron una nueva música, cruda y directa, que describía el trabajo, el amor, la pobreza y las penurias que los esclavos liberados tenían que soportar en un mundo donde ellos seguían todavía muy cerca de la esclavitud.<br /><br />Si hubiese vivido por entonces, mi bisabuelo habría formado parte de uno de los mayores éxodos poblacionales acaecidos en la historia en tiempos de paz. Entre los años 1915 y 1970 más de cinco millones de afroamericanos partieron desde todos los rincones del sur con rumbo a las ciudades en auge de la nación. El hijo mayor de Sam Kendrick, mi abuelo Swan, se estableció en Washington D.C., donde nacimos mi madre y yo. Otros miembros de mi familia tomaron la muy frecuentada ruta que conducía desde Mississippi hasta Memphis, donde el blues estimuló el nacimiento del rock and roll. Esta “autopista del blues” se extendió hasta Chicago, la meca de los bluesmen y de otros emigrantes.<br /><br />Todas las rutas del sur fueron pavimentadas con el blues de un pueblo, pero no hay ningún lugar que guarde una relación tan estrecha con esta música como el Delta del Mississippi. Esta inmensa y fértil extensión de tierra inundable, abrazada por el Mississippi y bañada por los ríos Yazoo, Tallahatchie y Big Sunflower, se extiende por unas doscientas millas desde Memphis, Tennessee, hasta Vicksburg, Mississippi. La negra tierra del Delta humea bajo el asfixiante calor estival mientras abandono la Autopista 61, para adentrarme en una angosta carretera pavimentada que, en los tiempos de mi bisabuelo, era un camino de carros. “Me And The Devil Blues” de Robert Johnson suena fuerte en la radio del coche, mientras su inquietante voz y poderosa guitarra parecen querer invocar a los espíritus del Delta. Estoy sobre un puente metálico, heredero de aquel que reparase Sam Kendrick, y miro fijamente a las turbias aguas. Aquí donde la vida de mi bisabuelo llegó a su fin, inicio un viaje por la memoria con destino al blues”.<br /><br />Todavía emocionado, vivificado e inspirado por la narración de Charles E. Cobb, Jr, os invito a daros un inolvidable paseo musical conmigo por la “autopista del blues”:<br /><br />Jimmy Reed: Down In Mississippi<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/lO8blq8i3L4?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/lO8blq8i3L4?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Lightnin’ Hopkins: Cotton<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/cFN9lebEvF0?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/cFN9lebEvF0?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Jimmy Reed: Big Boss Man<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/_o2x5UT89sA?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/_o2x5UT89sA?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Mississippi Fred McDowell: You Gotta Move <br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/mtlVSedpIRU?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/mtlVSedpIRU?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Howlin’ Wolf: Highway 49<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/Paseynpz3ds?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/Paseynpz3ds?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object><br /><br />Robert Johnson: Me And The Devil Blues<br /><br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/ZT0UFQVx1D4?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/ZT0UFQVx1D4?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-51165639494721396162010-11-02T16:35:00.000-07:002010-11-02T17:15:49.878-07:00RECUERDOS Y VIVENCIAS DE MIGUEL HERNÁNDEZ<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwqmk2F0_hVA_fELAGCUddbdgw_EUxt9D76MHxihovMAyFs3BADAmJvkytZvygxFO-ew6JYASah01KN_52TgJ19v4HwvyrKBLmbdDTelKUK9VvFSe9Ne2iTk7_4zkUWHPgArAHRrfCAi2N/s1600/miguel+hernandez+2.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 262px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwqmk2F0_hVA_fELAGCUddbdgw_EUxt9D76MHxihovMAyFs3BADAmJvkytZvygxFO-ew6JYASah01KN_52TgJ19v4HwvyrKBLmbdDTelKUK9VvFSe9Ne2iTk7_4zkUWHPgArAHRrfCAi2N/s400/miguel+hernandez+2.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5535103760189564194" /></a>
<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIo1S09xEyLyGfyVdj5zznyKo63PKgzeCv0ba9SvMAHnreYVtbhy2-_YygP4vrJWB6CHBl9d6UmAvsyVhQ_krPu2WAakT5E4AU0dMYDcXeGWNLUTeIrHwrOYbA2i9NANxxMpY7mhuNYhKF/s1600/miguel+hern%C3%A1ndez+1.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 333px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIo1S09xEyLyGfyVdj5zznyKo63PKgzeCv0ba9SvMAHnreYVtbhy2-_YygP4vrJWB6CHBl9d6UmAvsyVhQ_krPu2WAakT5E4AU0dMYDcXeGWNLUTeIrHwrOYbA2i9NANxxMpY7mhuNYhKF/s400/miguel+hern%C3%A1ndez+1.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5535103681044455202" /></a>
<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOnrl8UnzR-MHnryMqLlq2TsJUPSD_lrqD5LabpvCbkFiQEGwez8YTYuOOiwQO-2HaZeTD1vZRM3ekzPjNrIlFOL5Iux4euj1iaNdj0eROWqiwcKIiuGsy3q21Cbgr3ktdcnDZ3JpsdZqw/s1600/miguel+hernandez+3.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 340px; height: 340px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOnrl8UnzR-MHnryMqLlq2TsJUPSD_lrqD5LabpvCbkFiQEGwez8YTYuOOiwQO-2HaZeTD1vZRM3ekzPjNrIlFOL5Iux4euj1iaNdj0eROWqiwcKIiuGsy3q21Cbgr3ktdcnDZ3JpsdZqw/s400/miguel+hernandez+3.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5535103583380309810" /></a>
<br />PENA --- bienhallada
<br />
<br />Ojinegra la oliva en tu mirada,
<br />boquitierna la tórtola en tu risa,
<br />en tu amor pechiabierta la granada,
<br />barbioscura en tu frente nieve y brisa.
<br />
<br />Rostriazul el clavel sobre tu vena,
<br />malherido el jazmín desde tu planta,
<br />cejijunta en tu cara la azucena,
<br />dulciamarga la voz en tu garganta.
<br />
<br />Boquitierna, ojinegra, pechiabierta,
<br />rostriazul, barbioscura, malherida,
<br />cejijunta te quiero y dulceamarga.
<br />
<br />Semiciego por ti llego a tu puerta,
<br />boquiabierta la llaga de mi vida,
<br />y agriendulzo la pena que la embarga.
<br />
<br />
<br />Durante una cierta época, de la que atesoro una galería de valiosos recuerdos, mi padre solía recibir mensualmente por correo un catálogo procedente de la Librería Fontana de Barcelona, cuyo fondo bibliográfico se nutría básicamente de libros descatalogados y ejemplares procedentes de restos de edición. Al recorrer las páginas del pequeño catálogo, solía encontrar siempre libros, de muy variado género, que despertaban mi interés, razón por la cual prácticamente todos los meses me unía al amplio pedido que mi padre realizaba en compañía de varios compañeros de trabajo. En una de esas ocasiones, contando yo dieciséis años, pedí el libro de Miguel Hernández “Perito en lunas. Poemas de adolescencia. Otros poemas”, publicado por la Editorial Losada de Buenos Aires dentro de su colección “Biblioteca clásica y contemporánea”. Era la argentina sin duda una editorial mítica, a través de la cual habían llegado, muchas veces clandestinamente, a manos de los lectores españoles las obras de una amplia nómina de autores prohibidos y proscritos durante la larga dictadura franquista. En ese momento, Miguel Hernández era para mí una figura de trazo difuso, cuyo nombre simplemente me sonaba por la escuela, y del que no había leído prácticamente nada. Reconozco que, mientras hojeaba el catálogo de Fontana, quedé encandilado por el título “Perito en lunas”: ¡qué curiosa y original fusión aquella, la de la expertía técnica y frío pragmatismo del perito con el arrebato poético y romántica ensoñación de la luna! Me resultaba simplemente maravilloso que alguien pudiese tener un “peritaje en lunas”. Precisamente de ese libro he extraído el poema con el que he iniciado esta entrada. En concreto, se trata de un soneto (elección métrica que responde a la gran admiración del poeta alicantino por los clásicos de nuestra literatura, como Garcilaso o Góngora, pilares fundamentales de su vasta y sorprendente formación poética y cultural autodidacta) incluido en la obra “Otros poemas” del período 1933-34. Es éste un poema de juventud que sin duda dejó huella en el todavía incipiente imaginario literario del lector joven de poesía que yo era por aquel entonces. En mi opinión, el pictórico e imaginativo poema compendia en sus catorce versos tres pilares fundamentales de la lírica hernandiana: la plenitud vital que emana directamente de la naturaleza, la fuerza creadora primordial del deseo amoroso y la honda y solidaria percepción del sufrimiento humano, aspecto este último que he oído de boca del dramaturgo Antonio Buero Vallejo, compañero de cárcel de Miguel Hernández, al trazar su personal semblanza del poeta. Desde la ya lejana fecha en que me adentré en las primeras lecturas de su obra poética he llegado, pasando por enriquecedoras estaciones intermedias (como la apasionante lectura y el detallado análisis de su sobrecogedor “Cancionero y romancero de ausencias” en mi último año de instituto o la recurrente revisitación de “La savia sin otoño”, magnífica antología poética a cargo de Leopoldo de Luis, profundo estudioso de la obra hernandiana), a mis más recientes encuentros con el autor de Orihuela: las repetidas audiciones de “Hijo de la luz y de la sombra”, el nuevo disco de poemas cancionados por Joan Manuel Serrat, estupenda continuación de su ya mítico “Miguel Hernández” de 1972; el disfrute del magnífico programa de la serie Documentos de RNE “Miguel Hernández: el verso que no cesa”, con guión del gran experto en poesía de la cadena Javier Lostalé y valiosos documentos sonoros extraídos de la enorme fonoteca de la emisora (el propio Miguel Hernández recitando uno de sus poemas); y, por último, la emocionante lectura a mi hija, justo antes del sueño, de poemas como “El niño yuntero” o “Las desiertas abarcas”, a través de los cuales se adentró por unos instantes en la pobre y dura existencia de niños mucho menos afortunados que ella, hecha arte por la lírica humana, “demasiado humana” (en nietzscheana cuantificación) de Miguel Hernández:
<br />
<br />Me duele este niño hambriento
<br />como una grandiosa espina,
<br />y su vivir ceniciento
<br />revuelve mi alma de encina.
<br />
<br />Lo veo arar los rastrojos,
<br />y devorar un mendrugo,
<br />y declarar con los ojos
<br />que por qué es carne de yugo.
<br />
<br />[El niño yuntero]
<br />
<br />
<br />Por el cinco de enero,
<br />cada enero ponía
<br />mi calzado cabrero
<br />a la ventana fría.
<br />
<br />Y encontraba los días
<br />que derriban las puertas,
<br />mis abarcas vacías,
<br />mis abarcas desiertas.
<br />
<br />Me vistió la pobreza,
<br />me lamió el cuerpo el río
<br />y del pie a la cabeza
<br />pasto fui del rocío.
<br />
<br />[Las desiertas abarcas]
<br />
<br />
<br />En literatura, en cine, en música me gustan los creadores e intérpretes “con raíces” (etiqueta simple y en no pocas ocasiones manida que, sin embargo, para mí evoca una auténtica declaración de principios artísticos cuya justa perfilación excedería con mucho los límites de una entrada de blog), los que, lleguen a donde lleguen y pasen por donde pasen para llegar a donde lleguen, siempre tienen muy presente el lugar del que partieron inicialmente, el cual les sirve de brújula en su peregrinar creativo. Es por todo esto por lo que me gusta Miguel Hernández, pues, como afirmó Claude Couffon en su libro de 1967 “Orihuela y Miguel Hernández”: “Miguel Hernández es casi el único poeta que ha sacado una gran lección de sus raíces, que ha recibido de su infancia y de su tierra la savia necesaria para alimentar su obra”.
<br />
<br />Jarcha: Andaluces de Jaén
<br />
<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/PYvtLoBy9as?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/PYvtLoBy9as?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
<br />
<br />Víctor Jara: El niño yuntero
<br />
<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/IdzBf00qpjU?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/IdzBf00qpjU?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
<br />
<br />Joan Manuel Serrat: Las desiertas abarcas
<br />
<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/bnwYsWah31o?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/bnwYsWah31o?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
<br />
<br />Enrique Morente: Elegía a Ramón Sijé
<br />
<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/I89-ERZMvrQ?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/I89-ERZMvrQ?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
<br />
<br />Joan Manuel Serrat y Miguel Ríos: Para la libertad
<br />
<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/ypi17YJmePY?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/ypi17YJmePY?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
<br />
<br />
<br />Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-33561927851093797182010-10-15T16:17:00.000-07:002010-10-16T14:58:07.451-07:00MANUEL ALEXANDRE, UN ACTOR ESPAÑOL<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg16BLgeyHaOAzDjaIfKjgM_adJPpMIHVBFhPvlvD5WrtkmHsLmfxd9lHKByh7KjYzprLB5IeVClAHW0DaAhgM3FvmELKI3il4iFCT1qU4BCYuKc3Er34QGKjoqDTaPhhcg5brHUKxwRXRQ/s1600/Vivan+los+novios!.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 244px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg16BLgeyHaOAzDjaIfKjgM_adJPpMIHVBFhPvlvD5WrtkmHsLmfxd9lHKByh7KjYzprLB5IeVClAHW0DaAhgM3FvmELKI3il4iFCT1qU4BCYuKc3Er34QGKjoqDTaPhhcg5brHUKxwRXRQ/s400/Vivan+los+novios!.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5528419893247840562" /></a>
<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgB3PqOdDBNnZistNiWmiFWtlQ_HS_qhyphenhyphenTeDZNyOfM1YdxuVEWlEihhBCrtWXnKTYvOp98jJdcepUe0q99-sCSK9Q8i2dTPD6EhS8kaw2sd2t4XjaEEC9fgUdyWmL9qb-m1vEkbav3L7qSW/s1600/manuel+alexandre+cafe+gijon+2.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 291px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgB3PqOdDBNnZistNiWmiFWtlQ_HS_qhyphenhyphenTeDZNyOfM1YdxuVEWlEihhBCrtWXnKTYvOp98jJdcepUe0q99-sCSK9Q8i2dTPD6EhS8kaw2sd2t4XjaEEC9fgUdyWmL9qb-m1vEkbav3L7qSW/s400/manuel+alexandre+cafe+gijon+2.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5528419814867347170" /></a>
<br />Benítez (Manuel Alexandre): ¡Oye!
<br />Galindo (José Luis López Vázquez): ¿Qué?
<br />Benítez: ¿Podrías darme uno de quinientas como anticipo?
<br />Galindo: Como anticipo ¿de qué?
<br />Benítez: Del atraco.
<br />Galindo: Pero, ¿tú te crees que en un atraco se dan anticipos?
<br />Benítez: Chico, yo es el primero que hago y no sé la costumbre.
<br />Galindo: ¡Vete a tu sitio!
<br />Benítez: Oye, que me hace mucha falta.
<br />Galindo: ¡Siéntate y calla la boca!. ¡Aficionados! ¡que sois todos unos aficionados!
<br />
<br />[Diálogo de la película "Atraco a las tres" (José María Forqué. 1962)]
<br />
<br />
<br />Mañana de día festivo. Madrugar porque uno quiere. Percatarse de la tímida belleza del sol recién llegado. Disfrutar del acendrado ritual del desayuno. Me gusta la compañía matinal de la radio, cuando aún se calientan motores para el resto de la jornada. Informan de que hace poco más de una hora ha fallecido en Madrid a la edad de 92 años el actor Manuel Alexandre. De inmediato, un verdadero torbellino de imágenes inolvidables se desencadena en mi memoria cinéfila. El entrañable tonto del pueblo al que, mientras duerme en un vagón de tren abandonado, se le aparece un genial San Dimas/Pepe Isbert, ataviado con vestimenta digna de Cabalgata de Reyes de barrio, y se convierte así en protagonista involuntario de un milagro de marketing en “Los jueves, milagro” (Luis García Berlanga. 1957). El desdichado y desvalido reo condenado a muerte que, mientras es conducido al garrote vil, ve cómo a su verdugo (un espléndido Nino Manfredi, grande de la cinematografía europea), desplomado física y emocionalmente, lo tienen que arrastrar entre varias personas hasta su infame puesto de trabajo en “El verdugo” (Luis García Berlanga. 1963). El gris empleado de banca de una España gris, pobre diablo fanfarrón, sin un duro pero con efluvios de grandeza, obsesionado por encontrar hembra, que se ofrece patéticamente a la primera mujer con la que se cruza en la calle y que trata de ligar, rozando literalmente el acoso, con la inolvidable Gracita Morales, mientras sus compañeros de sucursal bancaria se afanan en trazar el plan del estrambótico golpe que preparan en “Atraco a las tres” (José María Forqué. 1962). El hilarante y esperpéntico hermano amnésico de la novia (una entrañable Laly Soldevilla), portador de una pizarrilla colgada al cuello en la que lleva escrita su dirección, por si acaso, en la simpar comedia negra-castiza-pop “Vivan los Novios” (Luis García Berlanga. 1969).
<br />
<br />Siento que Manuel Alexandre brilla con luz propia en mi particular universo cinematográfico. Intelectual cultivado en la selecta compañía de escritores, actores y artistas en largas tardes de tertulia (cuando este término tenía un significado de verdad) en el madrileño Café Gijón (todavía recuerdo su fácil verbo, exquisita dicción y riqueza léxica, a pesar de la enorme emoción que en ese momento lo embargaba, durante su alocución al serle concedido el Premio Goya de Honor en 2003). Compañero de sus compañeros (en palabras de ellos, lo que de verdad vale), progresista, comprometido (poderosísima su imagen de patriarca octogenario, plena de autoridad moral, durante las protestas de artistas e intelectuales contra la Guerra de Irak, también en el año 2003). Y, sobre todo, primerísimo y principalísimo actor en innumerables papeles secundarios (más de 300 películas lo contemplan); me niego a llamarle “actor secundario”: normalmente, con mucho menos tiempo de exposición en pantalla que otros actores, su maestría interpretativa dejaba, no obstante, una huella indeleble en la retina del espectador. La mera presencia, por efímera que fuese, de Manuel Alexandre en una película solía disparar exponencialmente mi apreciación de la misma.
<br />
<br />En materia de cine, como en tantos otros ámbitos vitales, tengo por norma conceder un mínimo valor a las categorizaciones, especialmente cuando éstas atienden a criterios de nacionalidad u origen. Me explico: etiquetas del estilo “nuevo cine estadounidense” (la cual leía no ha mucho en una reputada revista sobre el séptimo arte) tienen para mí poco significado más allá de la obvia ubicación espacio-temporal del cine en cuestión como realizado en Estados unidos en el presente. Sin embargo, a la hora de titular esta entrada, no dudé ni un instante de que la etiqueta “actor español” era la que más se ajustaba a la esencia actoral de Manuel Alexandre. Él es un actor español, al igual que Pepe Isbert, José Luis Ozores, José Luis López Vázquez o Alfredo Landa. Y no es ésta, ni mucho menos, una etiqueta vacía. Un actor español es un actor con una sólida formación teatral, forjado sobre las tablas de la escena antes de entrar en el radio de influencia de las cámaras y los focos. Un actor español es el hombre de la calle, cercano, creíble, entrañable tanto en sus virtudes como en sus defectos, en los que se ve reflejado con nitidez el propio espectador. Un actor español es poseedor de una voz característica, peculiar, inconfundible, verdadero instrumento que puede ser modulado, al antojo de su dueño, siempre al servicio de su vis cómica. Un actor español tiene un don especial para hacer reír y llorar, para divertir y emocionar a partes iguales al espectador (escucho en la radio al actor Álvaro de Luna, compañero y amigo de Manuel, al que acompañaba al Café Gijón en los últimos tiempos, decir que el joven Manuel Alexandre soñaba con interpretar grandes tragedias en el teatro y acabó triunfando con pequeñas comedias en el cine). Un actor español está dotado de una actoría que le emana de dentro, de su propia persona. Por esta razón, sus personajes resultan auténticos, naturales, engrandecen una escena por insignificante que ésta pudiese parecer, sin necesidad de recurso a métodos o técnicas prefabricados ni a estereotipados artificios interpretativos externos. El director José Luis Cuerda no ha podido resumir hoy con más claridad lo que he venido aquí exponiendo: “Manuel Alexandre era de esa raza de actores españoles de toda la vida que han hecho un gran cine”.
<br />
<br />Efectivamente, Manuel Alexandre, actor español, ha cerrado hoy día 12 de octubre, Día de la Fiesta Nacional (¡qué irónica coincidencia!), la puerta a una época para mí memorable del cine español. Tan sólo queda que, esperemos que dentro de largo tiempo, Alfredo Landa eche definitivamente la llave. Con Manuel Alexandre se va un cine español gestado en condiciones a veces muy complicadas, con escasos medios económicos, en un entorno político-social dominado por la falta de libertad individual y colectiva, pero al fin y al cabo, y esto es lo que cuenta, un cine humano, tremendamente humano, de indudable calidad artística y evidente valor universal. Este pasado verano escuchaba una larga y reposada entrevista de Juan Cruz a Elvira Lindo. En ella, la escritora, gaditana de nacimiento y madrileña de adopción, le explicaba al periodista canario que durante su período de residencia en Nueva York solía poner en casa a sus amistades estadounidenses "El verdugo". Todos ellos sin excepción quedaban sobrecogidos e impactados por la contundencia del alegato en contra de la pena capital concebido hace ya la friolera de 47 años por el gran cineasta valenciano.
<br />
<br />Esta tarde tengo una cita con Manuel Alexandre a las tres. No sé si le he entendido bien, pero parece que quiere dar un atraco.
<br />
<br />Encabezando la entrada, de arriba hacia abajo, fotograma de la boda de "Vivan los novios", con grandes actores españoles: José María Prada, José Luis López Vázquez, Laly Soldevilla y Manuel Alexandre (pizarrilla informativa incluida, ¡que no se quitó ni para la boda de su hermana!); foto de artistas e intelectuales habituales del Café Gijón, con un jovencísimo Manuel Alexandre en el centro de la fila superior.
<br />
<br />
<br />Escenas con Manuel Alexandre como fanfarrón empleado de banca en "Atraco a las tres"
<br />
<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/GRPaOGWEL2U?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/GRPaOGWEL2U?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
<br />
<br />Escenas finales, con Manuel Alexandre como reo a punto de ser ejecutado, de "El Verdugo"
<br />
<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/O7FII-1v2Is?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/O7FII-1v2Is?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
<br />
<br />Escenas de "Los jueves, milagro", incluyendo la magistral del milagro, con Manuel Alexandre
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<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/gjQfI6yK_44?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/gjQfI6yK_44?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
<br />Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-92106336485248771212010-10-09T15:46:00.000-07:002010-10-10T13:14:12.144-07:00JOHN LENNON: VIENDO RUEDAS QUE EMPIEZAN DE NUEVO A GIRAR<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD1yf5SBp_T4WhQkGhu9WlSnJCDA-CZl3I56YoNPJjDne8ww4pIbX9Fk9dfVBtGr8kFml_0Hl8_UdiWwIa8UsKnxOWe03tJNxOFlYbYGOr2pAMAp94OFRG2JooMlUV5gprN4iYC5EvOaEy/s1600/john+lennon.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD1yf5SBp_T4WhQkGhu9WlSnJCDA-CZl3I56YoNPJjDne8ww4pIbX9Fk9dfVBtGr8kFml_0Hl8_UdiWwIa8UsKnxOWe03tJNxOFlYbYGOr2pAMAp94OFRG2JooMlUV5gprN4iYC5EvOaEy/s400/john+lennon.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5526183262153905042" /></a>
<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZ-uQ6sbSELHttDpmO5gw7Wcp59NJt68E_S8H3FgGsLVmS0RJ1EUQOGmQbElP_v64iWATBd69Kpn7JaMKh_ItxzdhmnqYjPXblh1YWidmO6oYi1VMuaLe8qSD7TOUMNxuIcm1oCvHeLTYK/s1600/John+Lennon+starting+over.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 308px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZ-uQ6sbSELHttDpmO5gw7Wcp59NJt68E_S8H3FgGsLVmS0RJ1EUQOGmQbElP_v64iWATBd69Kpn7JaMKh_ItxzdhmnqYjPXblh1YWidmO6oYi1VMuaLe8qSD7TOUMNxuIcm1oCvHeLTYK/s400/John+Lennon+starting+over.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5526183137477108226" /></a>
<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGA5Pifu1W42PgN_3ua2oPV6qmTCr0Fh1Xu75G5jgQL9aan1mtCvFksm41PlHpZT4gVdU4Q02wsl6teP7aJz18i-vR7FwMBKhIdW6eD6gAI18u1IdT80KPVxYjhf3hI8uKtc9CMmHYeOT2/s1600/john+lennon+watching+the+wheels.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 305px; height: 307px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGA5Pifu1W42PgN_3ua2oPV6qmTCr0Fh1Xu75G5jgQL9aan1mtCvFksm41PlHpZT4gVdU4Q02wsl6teP7aJz18i-vR7FwMBKhIdW6eD6gAI18u1IdT80KPVxYjhf3hI8uKtc9CMmHYeOT2/s400/john+lennon+watching+the+wheels.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5526183045919246962" /></a>
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<br />En las tardes de los sábados acostumbro a aderezar los momentos de descanso con la escucha de varios programas de Radio 3 –justa vencedora, aunque sin los debidos honores, de mil y una batallas. Justo en la sobremesa, mientras la tormenta nos obsequia con otro de sus poderosos arreones, llego sobre la campana al último tramo de “La Madeja”: firmemente decididos a no remar a contracorriente en día tan señalado, han optado por tejer su programa en torno al recuerdo de John Lennon. Por lo visto, he tenido suerte, puesto que para los momentos finales de la emisión han quedado dos canciones de su carrera en solitario que me gustan en especial: “(Just Like) Starting Over” y “Watching The Wheels”. Ambas formaban parte del álbum de 1980 “Double Fantasy”, último publicado en vida del ex-beatle. Fue precisamente sobre un ejemplar de este disco sobre el que le estampó Lennon su firma a Mark David Chapman la tarde del fatídico 8 de diciembre de 1980. Acierto a oír los dos temas prácticamente en un plácido duermevela. Quizá debido a la clarividencia que caracteriza el tránsito, de la mano del sueño, desde la consciencia hasta los insondables arcanos de lo irracional, creo entenderlo todo bien, demasiado bien. La música popular (llámesela como se quiera -pop, rock, blues, soul, country-, da lo mismo) es como la montaña de Sísifo: unos antes y otros después, los artistas que pueblan el teatro de nuestros sueños van abriendo con sus canciones nuevas rutas de ascenso hacia la preciada cima, para, como le sucede al personaje eternamente condenado por los dioses en el mito, acabar retornando siempre a la base de la montaña arrastrados por la caída de la obstinada piedra, y desde allí empezar de nuevo, como dice el título de la canción de Lennon (“Starting Over”). Creo sinceramente que ésta es la verdadera esencia del músico popular: tratar de alcanzar la cumbre pertrechado con el bagaje y la experiencia de los que ya lo intentaron antes y ahora descansan merecidamente en el confortable lecho de la montaña. En la voz del Lennon de “Starting Over” y “Watching The Wheels”, a pesar de que el sueño empieza a someterme, puedo reconocer con nitidez la de Elvis Presley, la de Buddy Holly, la de Fats Domino, la de Sam Cooke, la de Jackie Wilson, la de John Fogerty, la de Bob Dylan, la de Neil Young: reviviendo la canción de Lennon en mi fantasía onírica (“I'm just sitting here watching the wheels go round and round”), sentado sobre la gran piedra mítica, los veo a todos como si fuesen grandes ruedas rodando pesadamente ladera arriba de la montaña, iniciando cada uno su giro justo en el punto donde acaba el de su predecesor, para en atemporal y acompasada procesión musical, volver a caer y terminar por ingresar en la comunidad cada vez más numerosa que mora en las primeras estribaciones del inalcanzable promontorio y que instruirá pacientemente al neófito en la arriesgada ascensión al Olimpo musical.
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<br />John Lennon: (Just Like) Starting Over
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<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/XQIivdaQEiA?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/XQIivdaQEiA?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
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<br />John Lennon: Watching The Wheels
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<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/t-4BjP3d1Uc?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/t-4BjP3d1Uc?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-83952515037862716122010-10-03T15:35:00.000-07:002010-10-04T04:24:40.983-07:00ARTHUR PENN Y TONY CURTIS: HOLLYWOOD DEL ETERNO RETORNO<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieJGD-80cUqCCHn9aEzW6o4nB0N6Nkan_VZvQJ9SSN-9mWrWrfDMamy2f0t-2vbnsjtbpVrxlL1X_qg3vLt1jIehOW3OZeIIfanU3_17ETL_fqYX1AfISQgf5NB9fm-a7teX0SRO-UA7gq/s1600/arthur_penn.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 304px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieJGD-80cUqCCHn9aEzW6o4nB0N6Nkan_VZvQJ9SSN-9mWrWrfDMamy2f0t-2vbnsjtbpVrxlL1X_qg3vLt1jIehOW3OZeIIfanU3_17ETL_fqYX1AfISQgf5NB9fm-a7teX0SRO-UA7gq/s400/arthur_penn.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5523954928300706818" /></a>
<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3JLzYlVb3TwrQrnLR-xzoWfAklnqea1wmBiOCwOBplUmlGdJKZzcgteXKOEKPg0TZHqSAhrLh1AYPc4QjB9gNDpHsadIPRQ73JfjYRyreaqMN8ZqXEZgKRifYYT81221HdLsZnbk6atfb/s1600/Jean+Simmons,+Kirk+Douglas+y+Tony+Curtis.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 271px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3JLzYlVb3TwrQrnLR-xzoWfAklnqea1wmBiOCwOBplUmlGdJKZzcgteXKOEKPg0TZHqSAhrLh1AYPc4QjB9gNDpHsadIPRQ73JfjYRyreaqMN8ZqXEZgKRifYYT81221HdLsZnbk6atfb/s400/Jean+Simmons,+Kirk+Douglas+y+Tony+Curtis.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5523954855946543282" /></a>
<br />Por aquel entonces la carrera de Brando iba a la deriva. El actor se dedicaba a vivir la vida aceptando papeles que le diesen mucho dinero y que le supusiesen poco esfuerzo. Ya ningún productor le quería porque se había convertido en un egomaníaco nada rentable. “La jauría humana” sería su primera película destacable en mucho tiempo. En aquellos momentos Redford era sólo un principiante con un par de películas no demasiado brillantes, pero sabía muy bien lo que quería, y rechazó el papel de sheriff porque no veía que encajase en él, aunque se interesó mucho en un rol secundario en el que creía podía resultar mejor. De este modo es como dejó el protagonismo en manos de Brando. Sorprendente actitud contraria a todo divismo. Otra joven que también iba a dar mucho que hablar obtuvo el papel protagonista femenino: Jane Fonda. Por aquel entonces era conocida como la díscola hija de Henry Fonda. “La jauría humana” era una película atrevida y la actriz se encontraba como pez en el agua. Éste sería su primer encuentro con Robert Redford, con el que tan sólo un año después compartiría cartel en “Descalzos por el parque”, ya como protagonistas absolutos. Angie Dickinson era por aquel entonces una bella actriz de piernas esculturales que no acababa de despegar. En “La jauría humana” nos da una de sus mejores interpretaciones, si no la mejor. El resto del variado y excelente reparto nos trae a la veterana y espléndida Miriam Hopkins en el papel de madre de Jane Fonda. “La jauría humana” sería su último papel destacable. Menos veterana y mucho menos carismática es Martha Hyer, a la que también vemos en uno de sus últimos papeles destacados.
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<br />Pese a haber sido un fracaso en su época, “La jauría humana” ha ido ganando con el paso del tiempo y actualmente es considerada como uno de los títulos más destacados de los sesenta. La novedosa manera de filmar de Arthur Penn hizo que la película se adelantara a su tiempo y fuese un tanto incomprendida. Hoy en día ocupa el puesto que siempre mereció.
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<br />[Guillermo Balmori. Columbia ‘60s]
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<br />Me visitó Tony Curtis. Quería actuar en “Spartacus”. Pensaba que sería una gran película y además así se liberaría de un compromiso que tenía con Universal. No creí que hubiese ningún papel para él ni que Tony fuese apto para ese tipo de película. Después de “The Vikings”, había intervenido en “The Defiant Ones”, interpretando a un fugitivo de una cadena de presidiarios, esposado a Sidney Poitier. Luego dos comedietas: “Operation Petticoat” (“Operación Pacífico”) y “Some Like It Hot” (“Con faldas y a lo loco”), disfrazado de mujer. Pero Tony insistió. Creamos un papel para él, el de un joven poético llamado Antoninus, que llega a ser como un hijo para Espartaco. Finalmente los romanos nos obligan a luchar a muerte. El sobreviviente será crucificado. Ninguno de los dos quiere que el otro sufra esa agonía, de modo que tratamos de matarnos mutuamente. Yo mato a Tony. Lo consideramos justicia salomónica: él me había matado en “The Vikings”.
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<br />[Kirk Douglas. El hijo del trapero. Autobiografía]
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<br />Arthur Penn, cineasta-artista, renovador del lenguaje fílmico en los sesenta, cronista de la brutalidad y la violencia que anidan en la sociedad a los dos lados de la ley, y Tony Curtis, actor de los de antes, versátil, irradiador de optimismo y ganas de vivir, profundamente serio en su intransferible falta de seriedad, han iniciado esta semana que hoy termina el eterno retorno, el del Hollywood que se fue para acabar volviendo siempre hasta nosotros.
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<br />Escena final de “Bonnie and Clyde” (Arthur Penn. 1967): sobrecogedora belleza estética- glorioso uso del color- en la descarnada violencia cinematográfica.
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<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/q-PMx3YvCGY?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/q-PMx3YvCGY?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
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<br />Escena de “El estrangulador de Boston” (Richard Fleischer. 1968): el lado oscuro de los felices sesenta estadounidenses: el funeral de John F. Kennedy, el asesino múltiple en familia, el instinto destructor latente en el hombre de la calle.
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<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/xd-TW9Hb5BA?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/xd-TW9Hb5BA?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
<br />Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-26702330403063536472010-09-30T15:03:00.001-07:002010-10-01T11:14:30.245-07:00VUELTA A LAS RAÍCES (Una memoria musical del estío por entregas). Capítulo 6 y último<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHUNZXFiuHAGZiL5VJUvnVquD45YzKbQLaCNfe7QB14GCyk_HwcuKJ9UrT5dTQNGYz8-dZ5pS9d2VRJOkHKKuYFBzhOAfO4hWjSV4uRifOQBOBkucYIvZ8JBmIwUFvj0ul2BKk2nt7FkPN/s1600/nina+simone.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 302px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHUNZXFiuHAGZiL5VJUvnVquD45YzKbQLaCNfe7QB14GCyk_HwcuKJ9UrT5dTQNGYz8-dZ5pS9d2VRJOkHKKuYFBzhOAfO4hWjSV4uRifOQBOBkucYIvZ8JBmIwUFvj0ul2BKk2nt7FkPN/s400/nina+simone.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5522832841565862354" /></a>
<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihV1zqYuUDPdROKLIYK6VeTcg6Mvk8sYPy5mqxaim4fmxs7u04W1Fay-dlnGLNyeTpFsi8ZW290yUaF4EyM0uHk3K1epqNf1jLs5ZA43n8TlHt18KZ83hyAtiR8Vjnz4EQ_PVJKQzUQoEW/s1600/john+belushi.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 266px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihV1zqYuUDPdROKLIYK6VeTcg6Mvk8sYPy5mqxaim4fmxs7u04W1Fay-dlnGLNyeTpFsi8ZW290yUaF4EyM0uHk3K1epqNf1jLs5ZA43n8TlHt18KZ83hyAtiR8Vjnz4EQ_PVJKQzUQoEW/s400/john+belushi.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5522832759106982642" /></a>
<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBgQbCaW2XqoUXQJ5bTdjXj8dKbO236SG8Pc66HnuByjrz0fiQz5Usv7JOGM_w2BeBk5sRoelYNCUMuoXjbeF5PhvjHJexwSMy9KMpdrxwkDvZ0RnfrKt-8rm-kLHXqy8gTjQ9e-x44iR0/s1600/Otis+Redding.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBgQbCaW2XqoUXQJ5bTdjXj8dKbO236SG8Pc66HnuByjrz0fiQz5Usv7JOGM_w2BeBk5sRoelYNCUMuoXjbeF5PhvjHJexwSMy9KMpdrxwkDvZ0RnfrKt-8rm-kLHXqy8gTjQ9e-x44iR0/s400/Otis+Redding.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5522832684394379410" /></a>
<br />Capítulo 6. Nina Simone: Brown Eyed Handsome Man / The Blues Brothers: Do You Love Me / Otis Redding: Remember Me
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<br />Aquí en la playa no tengo acceso a internet y suelo evitar, en la medida de lo posible, los programas informativos de la radio; el televisor es un mero soporte para ver el cine, los documentales y conciertos que me he traído en DVD. Pero hoy me he decidido a bajar a comprar un periódico. Una noticia capta rápidamente mi atención. Ayer día 28 de agosto, 47 años después y en el mismo escenario (el Lincoln Memorial de Washington) donde Martin Luther King pronunciase su célebre “I have a dream” durante la histórica Marcha sobre Washington, Glenn Beck, agitador mediático y azote de Obama, autoerigido en el “líder espiritual” del movimiento ultraconservador Tea Party, se dirige a sus acólitos movilizados en masa al grito de guerra de “restituir el honor” patrio. Desde el promontorio ataráxico en el que me refugio ante este tipo de situaciones, alcanzo no obstante a solidarizarme en cierta medida con todo aquel que se sienta indignado por las inevitables comparaciones entre ambos eventos que empiezan a aflorar (Beck llegó incluso a reclamar para su movimiento el espíritu del de Martin Luther King ante una muchedumbre en la que la presencia de la comunidad afroamericana era puramente anecdótica). Pero no hay de qué preocuparse. Por mi actividad académica, en buena parte dedicada al contraste entre lenguas, soy plenamente consciente de que sólo puede compararse lo que es comparable, es decir, lo que presenta al menos un mínimo nexo de unión, base imprescindible para el posterior establecimiento de contrastes. Evidentemente, no es éste el caso, puesto que no existe ni un solo átomo en común entre Martin Luther King y Glenn Beck, ni entre el Movimiento por los Derechos Civiles y el Tea Party. Ni que decir tiene que tampoco lo habrá entre la perdurabilidad de los dos actos: 47 años después King y su Marcha sobre Washington siguen indeleblemente grabados en la memoria de buena parte de la población mundial. ¿Quién se acordará de Beck y sus huestes dentro de 47 años, o de 47 meses, o de 47 semanas quizá?. Escuchando en Canal Sur Radio una emisión en diferido del programa “La música de Tom” retorna de nuevo hasta mí la épica lucha por los derechos ciudadanos de la población negra estadounidense. Tom Martín Benítez nos brinda una espléndida selección musical de Nina Simone y de otras vocalistas cuyas órbitas se entrecruzan en una misma constelación musical, como es el caso de la excelsa Sarah Vaughan. Nina Simone puso su enorme talento musical al servicio de la lucha por la igualdad de las razas en su país. No en vano, el activista de los Panteras Negras Stokely Carmichael llegó a referirse a ella como “la verdadera cantante del movimiento”. Para la posteridad ha quedado, por ejemplo, su vehemente alegato antirracista “Mississippi Goddam” (“Alabama’s gotten me so upset” / “Alabama me ha puesto tan triste”), compuesto tras los asesinatos de cuatro niñas negras en una iglesia baptista en Birmingham (Alabama) y del luchador por los derechos civiles Medgar Evers en Mississippi, todos perpetrados por el Ku Klux Klan en 1963. Acabado el programa, el cuerpo me pide coger el CD del sello Universal “Classic Simone” y escuchar la juguetona y vitalista versión que Nina hizo del clásico de Chuck Berry “Brown Eyed Handsome Man”. Nina transforma el tema de Berry en un delicioso caleidoscopio de jazz, blues, gospel y soul que envuelve cálidamente una letra muy arriesgada para 1956, el año en que fue escrita, un festivo alegato en favor de las relaciones interraciales a cargo del Berry cronista sagaz y sarcástico, al tiempo que cariñoso y tierno, de la convulsa época que le tocó vivir. La versión de Nina Simone apareció originalmente incluida en su disco de 1967 “High Priestess of Soul” (“Suma Sacerdotisa del Soul”). Recuerdo haber leído en algún sitio que Nina Simone puede ser considerada como una cantante de soul más por la intensidad que imprimía a sus interpretaciones que porque se mantuviese dentro de los márgenes estilísticos de dicho género. El soul, música caliente, sudorosa donde las haya, siempre me ha parecido un estilo musical cuya audición resulta especialmente apropiada y recomendable durante la estación estival. Tal es así, que durante los días siguientes realizo dos nuevos escarceos por los territorios del soul. Este verano estoy viendo mucho cine italiano de los 60 y 70. Disfruto especialmente de la revisión de un filme que me parece magnífico: “Las manos sobre la ciudad” (“Le mani sulla citta”. Francesco Rosi. 1963). La película, producida en los últimos estertores del neorrealismo y de un altísimo valor documental, representa una efectiva denuncia contra la corrupción de la política municipal y la especulación inmobiliaria en el Nápoles de principios de la década de los sesenta (temas que tristemente siguen de rabiosa actualidad en estos tiempos). El papel protagonista de Eduardo Nottola, el constructor sin escrúpulos, recayó en el gran actor norteamericano Rod Steiger, en una de sus frecuentes y fructíferas incursiones en el cine europeo. A pesar de lo serio y profundo del tema de la película, no puedo evitar traer a mi mente las imágenes de unas pruebas de pantalla de mediados de los 70, para el célebre programa de humor “Saturday Night Live”, en las que John Belushi hacía una estupenda e hilarante imitación de Rod Steiger. Debo reconocer que fue precisamente en un cine de verano de la playa en la que me encuentro donde quedé cautivado por la fuerza del soul cuando vi por primera vez (se había estrenado ese mismo invierno) “Granujas a todo Ritmo” (“The Blues Brothers”. John Landis. 1980). Allí dio inicio también mi entrañable relación músico-sentimental con la figura de John Belushi. Siempre que pienso en él, experimento una sensación cruzada de alegría y tristeza. Quizá sea normal, ya que Belushi es otro exponente más del sueño y la pesadilla americanos: de origen muy humilde, hijo de un inmigrante albanés y de una albanesa-americana, John libó de las mieles del triunfo que en televisión, música y cine le reportó su incuestionable talento, para acabar, sin embargo, siendo protagonista a la edad de 33 años de una triste muerte de hotel provocada por sus excesos con la droga (recuerdo en este momento otra trágica muerte, de motel en este caso, dentro del propio universo del soul, la de Sam Cooke). No poseo ningún gusto macabro en especial por la muerte de personajes famosos, pero sí soy gran devoto de la intrahistoria del cine y de la música, y las circunstancias que rodearon la muerte de John Belushi nos conducen irremediablemente al mundo del celuloide. Belushi falleció el 5 de marzo de 1982 en el bungalow nº 3 del Chateau Marmont, un conocido hotel de Sunset Boulevard, en Los Ángeles. Además de la estrechísima relación del área con el séptimo arte, el propio hotel había sido y seguía siendo un lugar muy frecuentado por las estrellas del celuloide. Sin ir más lejos, la misma noche de su muerte, Belushi recibió en su bungalow la visita de los actores Robin Williams y Robert de Niro. La mera mención del nombre “Sunset Boulevard”, en el contexto de la muerte de un personaje ligado al cine, abre inmediatamente en la mente de cualquier cinéfilo un inmenso ventanal hacia la larga avenida con la que da comienzo la impactante escena inicial de la película que, con el mismo nombre que el elegante barrio angelino, dirigió Billy Wilder en 1950 (“El crepúsculo de los dioses” en español). Avenida a lo largo de la cual llegamos, en compañía de la policía y la prensa, a una lujosa mansión en cuya piscina flota boca abajo el cadáver de un guionista de medio pelo brillantemente interpretado por William Holden. Poco antes de morir, John Belushi grabó un cameo para la comedia televisiva del momento “Police Squad!”: se trataba de una escena en la que aparecía muerto, flotando boca abajo en una piscina. ¿Alguien da más?. Siento la necesidad de despedirme momentáneamente de John Belushi con una nota positiva, por lo que busco un recopilatorio de éxitos de los Blues Brothers y escucho la gloriosa versión que hiciesen en directo del magnífico tema “Do you love me”. Reconfortado, me digo para mis adentros: esto sí que es el “sueño americano”, Belushi, hijo de albaneses, clavando un éxito negro de la Motown de Berry Gordy. Mi último gran encuentro con el soul del verano se produce de la manera más insospechada. Durante esta última semana, he conseguido ver en su totalidad “El laberinto español”, una interesantísima serie de programas sobre la historia de España desde la Guerra Civil hasta la Transición que el escritor y periodista Jorge Martínez Reverte dirigió y presentó no hace mucho en la 2 de TVE. Cada programa consta de un documental y un debate (¡qué goce, dados los tiempos radiotelevisivos que corren, poder escuchar a varias personas sentadas en torno a una mesa para hablar sobre algo de lo que sí saben!). El programa dedicado a la compleja situación sociopolítica de Navarra durante el proceso de redacción de la Constitución de 1978 se ilustra con el documental “Sanfermines 78”, dirigido por Juan Gautier y José Ángel Jiménez. En él se rememoran, con los valiosos testimonios de testigos de primera mano, los trágicos incidentes acaecidos el 8 de julio de 1978 en Pamplona, en plenas Fiestas de San Fermín. Los incidentes, que se iniciaron dentro de la propia plaza de toros al final de un festejo taurino de feria, se extendieron a otras zonas de la ciudad y desembocaron en la muerte del joven militante de izquierda Germán Rodríguez a manos de la policía. La exhaustividad y seriedad del trabajo documental, junto con una acertada propuesta narrativa que combina imágenes actuales con las de 1978, hace que el espectador parezca estar viviendo en primera persona los lamentables sucesos. He leído y oído muchas veces que, durante la Transición, España pasó por momentos muy difíciles. De la verdadera magnitud de las dificultades se cobra plena conciencia con documentales como al que aquí me estoy refiriendo. Siempre he pensado que la memoria sentimental- los sentimientos y emociones que en nosotros han quedado como producto del roce cotidiano con nuestros semejantes en el pasado- es probablemente la más nítida e indeleble de las memorias del ser humano. Tocado ya en la fibra sensible por los emocionantes testimonios que “Sanfermines 78” ofrece de los que conocieron y trataron a Germán Rodríguez, me veo desbordado ya del todo cuando suena, como banda sonora de las imágenes de los pamplonicas en fiestas que cierran el documental, la bellísima y conmovedora canción de Otis Redding “Remember Me”. En la voz intensa, desgarrada, atemporal, cósmica del artista de Georgia, la canción se transmuta en un verdadero himno universal a la memoria, al recuerdo sosegado, emocionado y retroalimentador de los que vivirán mientras perduren en nuestro interior los momentos, felices o tristes, que con ellos pudimos compartir: "Remember me / don't you forget me, child / we are all only here / just for a little while" ("Recuérdame / no me olvides, hijo / todos estamos aquí / tan solo por poco tiempo").
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<br />[Aprovecho este momento para dedicar el vivificante tema de Otis Redding a todos los que generosamente hayáis compartido a través del blog mi memoria musical del estío, que aquí toca a su fin.]
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<br />Nina Simone: Brown Eyed Handsome Man
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<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/BbTbjuUZIUg?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/BbTbjuUZIUg?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
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<br />The Blues Brothers: Do You Love Me
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<br />Otis Redding: Remember Me
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<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/_QNL-3E5GTE?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/_QNL-3E5GTE?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
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<br />Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-66173739191719882692010-09-23T09:13:00.000-07:002010-09-23T15:42:16.293-07:00VUELTA A LAS RAÍCES (Una memoria musical del estío por entregas). Capítulo 5<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhG8j9jnQm2stF4hbfLfo43BXJT6P-gWVICxAdyZXcP9x4VZ8ibQaFuCKarZY1PA6ua0eCUwJEw8WS6eRB6IV-LemLaf0XjfmVwArig0CYspVq3OKJoEpO-t7jQ4JIhaAXr2X1kwF7LBsah/s1600/kitty+daisy+lewis.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 358px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhG8j9jnQm2stF4hbfLfo43BXJT6P-gWVICxAdyZXcP9x4VZ8ibQaFuCKarZY1PA6ua0eCUwJEw8WS6eRB6IV-LemLaf0XjfmVwArig0CYspVq3OKJoEpO-t7jQ4JIhaAXr2X1kwF7LBsah/s400/kitty+daisy+lewis.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5520148634041080210" /></a>
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<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeoQAqnWMBzCt7YRSCJnNfeAbZIwnUS38MhQFsGQXrlbjQcrYzsnrncjoRj8sXU9KnPl8kE1dCLmJOougk9LWTYPJGiVnvrNA8GI8zAdTE20zpN3WMIfCP4ZmICvO-MPhWOPJ3K-AsD40o/s1600/bettie+page.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 271px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeoQAqnWMBzCt7YRSCJnNfeAbZIwnUS38MhQFsGQXrlbjQcrYzsnrncjoRj8sXU9KnPl8kE1dCLmJOougk9LWTYPJGiVnvrNA8GI8zAdTE20zpN3WMIfCP4ZmICvO-MPhWOPJ3K-AsD40o/s400/bettie+page.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5520146949585225874" /></a>
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<br />Capítulo 5. Kitty, Daisy & Lewis: Goin' Up The Country / Imelda May: Johnny Got A Boom Boom
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<br />Este verano tengo la inevitable sensación de que hay un concepto que parece tozudamente empeñado en describir interminables círculos concéntricos a mi alrededor: el “vintage”. Creo que si seguimos por este camino, tiene visos de acabar convirtiéndose en una de las grandes categorías “estético-culturales” de este nuevo milenio por el que aún damos, no sin ciertas dosis de inseguridad, nuestros primeros pasos. Escucho la radio, veo la televisión, navego por internet, leo los periódicos, recorro alguna tienda y, por acá o por allá, aparece siempre la ubicua palabrita: “vintage”. A través de la ventana del autobús alcanzo a ver una valla publicitaria con un enorme anuncio de ginebra Beefeater en el que domina una iconografía pop de motivos londinenses; en la esquina inferior izquierda, una modelo con estética a medio camino entre rockera tatuada y pin-up de los 50 me devuelve una sugerente mirada mientras sostiene entre sus manos un transistor radiofónico de época. Ya de vuelta en casa, enciendo precisamente la radio y los contertulios de un programa de sobremesa aplican todas sus virtudes opinadoras a la celebración en Madrid de la Pasarela Cibeles (por lo visto, la moda es otro de nuestros grandes “referentes culturales” en la actualidad); una contertulia avezada en los misterios insondables del mundo de la moda nos da cuenta de que en los diseños exhibidos en la Pasarela se está haciendo patente un dominio de las tendencias vintage, lo que puedo constatar gracias a un periódico gratuito que me he traído del autobús y cuya lectura simultaneo con la audición de la tertulia para sobrellevar el sopor que ésta empieza a provocarme en la calurosa tarde estival: una noticia de la susodicha Pasarela viene ilustrada con una foto a lo chica de calendario estadounidense de los 50 de la top model española Arantxa Santamaría. Unos días más tarde, me doy una vuelta por el Media Markt a la caza de alguna oferta interesante en DVDs. Nada más y nada menos que en una cabecera de novedades me topo con un flamante DVD con una actuación por todo lo alto en el Crazy Horse parisino de Dita Von Teese. Sin duda, al éxito de este singular personaje – un potente compuesto de modelo fetichista, glamurosa stripper y magnificente artista del “burlesque” – ha contribuido, además de su innegable magnetismo físico, su estudiada pose mercadotécnica de starlette del Hollywood clásico combinada con una estética abiertamente vintage a lo Bettie Page, la icónica pin-up de la década de los 50 americana. Al día siguiente, en un programa radiofónico escucho una entrevista a la cantante Vinila Von Bismark (ingenioso el juego de palabras con el nombre, cargado de efluvios imperiales alemanes, de un personaje capital de la mejor época del kitsch marbellí de los 80), que se ha unido al trío rockabilly madrileño The Lucky Dados para grabar el disco “The Secret Carnival” (se me viene rápido a la memoria en este momento un film de terror de serie B de culto “Carnival Of Souls” (“El carnaval de las almas”. Herk Harvey. 1962)). Con un notable desparpajo, Vinila nos regala, a modo de auténtica declaración de principios artística, un curioso totum revolutum donde se entremezclan el vintage, el burlesque, el striptease e, incluso, las acrobacias circenses. Me ha quedado claro: la sombra del vintage es alargada. Tras visionar algunos videos de Vinila Von Bismark & The Lucky Dados (me gusta especialmente el de la canción “Where’s My Sugar?”) reconozco en ellos dos rasgos fundamentales de su muy peculiar proyecto artístico: por un lado, un centro de gravitación musical en el rockabilly desde donde se desplazan con naturalidad a géneros musicales diversos, como el swing, el calipso o la música de cabaret; por otro, una decidida apuesta por una estilizada estética vintage, cuidada al milímetro. Son precisamente éstas dos características que también he encontrado en dos propuestas de corte similar a la de Vinila Von Bismark & The Lucky Dados – una inglesa y otra irlandesa – que apuntan inequívocamente a otro resurgir de entre sus cenizas del ave fénix del rockabilly. Me estoy refiriendo respectivamente al trío de hermanos londinenses Kitty, Daisy & Lewis y a la dublinesa Imelda May. En el videoclip de “Goin’ Up the Country”, excelente versión a cargo de Kitty, Daisy & Lewis del clásico de Canned Heat, todo es calculadamente vintage: mientras oímos a los tres hermanos cantar a una Arcadia campestre donde incluso pueden llegar a obrarse milagros con reminiscencias del episodio bíblico de las Bodas de Caná (“Me voy al campo / me voy a donde el agua sabe a vino”), vemos primero a los cantantes en un precioso blanco y negro, en el que Lewis, con su guitarra acústica y su indumentaria, parece encarnar al Elvis desharrapado de 1955; posteriormente, se hace en el video un color añejo, de celuloide, incluso con sus manchas y defectos, para mostrarnos al trío en unos campos idílicos que producen en mi imaginación un auténtico cortocircuito de referencias cinematográficas y literarias estadounidenses: el inquietante y amenazador campo abierto de “La noche de los muertos vivientes” (“Night Of The Living Dead”. George A. Romero. 1968), las fértiles praderas del inmenso rancho ganadero tejano del personaje interpretado por Rock Hudson en “Gigante” (“Giant”. George Stevens. 1956), y la entrañable casa construida en el árbol a la que se encaraman para vivir Dolly Talbo, su asistenta Catherine y su sobrino Collin en la deliciosa novela de Truman Capote “El arpa de Hierba” (“The Grass Harp”. 1951) y Kitty hace lo propio para cantar en el video. Por su parte, el video de Imelda May “Johnny Got A Boom Boom” (con un calculado guiño en el título al sonido ancestral del famoso blues de John Lee Hooker) nos adentra de nuevo en territorios ya explorados: rockabilly básico, primordial, aderezado con gotas de swing, soul y jazz en la voz de una cantante de belleza céltica, irlandesa que, no obstante, quintaesencia el vintage en su poderosa y cautivadora imagen: santísima trinidad de la pin-up cincuentera Bettie Page (a la que antes nos referimos), la explosiva rockera pionera Wanda Jackson y la bellísima estrella del Hollywood clásico Gene Tierney. El rockabilly de Imelda May suena maravilloso, en toda su atemporalidad y universalidad, con el telón de fondo de las calles de Dublín, que tan entrañables recuerdos avivan en mi memoria. El término inglés “vintage” aúna dos componentes esenciales de significado: la antigüedad y la calidad, lo bueno por su maduración en el tiempo, como un vino de reserva. Creo que, como demuestran los músicos de los que aquí me he venido ocupando, es ésta una receta inmejorable para sonar tremendamente actuales.
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<br />Kitty, Daisy & Lewis: Goin' Up The Country
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<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/GxW3Ed7GrhQ?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/GxW3Ed7GrhQ?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
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<br />Imelda May: Johnny Got A Boom Boom
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<br />Vinila Von Bismark & The Lucky Dados: Where's My Sugar?
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<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/0wFtnZwE03A?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/0wFtnZwE03A?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
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<br />Wanda Jackson: Slippin' And Slidin'
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<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/s1sFpCNlbJ8?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/s1sFpCNlbJ8?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
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<br />Photo Book de Dita Von Teese con el fondo de una remezcla del clásico "Diamonds Are A Girl's Best Friend"
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<br /><object style="height: 390px; width: 640px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/YHlmhEdMFbQ?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/YHlmhEdMFbQ?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="640" height="390"></object>
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<br />Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-56718939875087362662010-09-21T14:02:00.000-07:002010-09-23T15:11:00.454-07:00VUELTA A LAS RAÍCES (Una memoria musical del estío por entregas). Capítulo 4<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLyG2dNCyOsK7P1PloPy4xkUbn6_tVLso0Ff37QGHJ7ktYKm0nTIAIc3iVdnHzjuomLt8gJTrUmNZ3kc7gKNuT1U5XXfHR3CQnLFCsNJh0zC5KU0cJ4ZTjzaTMxM3zldY9EZAAuVF8B8e-/s1600/silvio.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 235px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLyG2dNCyOsK7P1PloPy4xkUbn6_tVLso0Ff37QGHJ7ktYKm0nTIAIc3iVdnHzjuomLt8gJTrUmNZ3kc7gKNuT1U5XXfHR3CQnLFCsNJh0zC5KU0cJ4ZTjzaTMxM3zldY9EZAAuVF8B8e-/s400/silvio.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5519480504893274898" /></a>
<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgT7K5ysqWACi6LVxYgYw5bD4EpOItzp9YwLSK-AeFO9976ZL240JTb-tZ7k2HeCzJGabX2TKuMINsZx163fIUPbncQEkNERBEvk16cIXNMmHatljnINvcGDE3MZZYR2GdTyPXyFCbujc6B/s1600/EarlyElvisPerformingLive.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 233px; height: 350px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgT7K5ysqWACi6LVxYgYw5bD4EpOItzp9YwLSK-AeFO9976ZL240JTb-tZ7k2HeCzJGabX2TKuMINsZx163fIUPbncQEkNERBEvk16cIXNMmHatljnINvcGDE3MZZYR2GdTyPXyFCbujc6B/s400/EarlyElvisPerformingLive.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5519480399305827746" /></a>
<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiM_XYs0ms5SzY-P69KKtDFV9cCCH14cDvDlclVdvdDIzEbzmBWxt3shFyYHC1D-bXuUHrvEF-qifxP_V_Lj4XWAyDc6u3_F3E5jdtHvLr0aZ0vbAlZ_rt2XQvElSTQr969pxWU-YP-qB1K/s1600/paco+de+luc%C3%ADa.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 350px; height: 218px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiM_XYs0ms5SzY-P69KKtDFV9cCCH14cDvDlclVdvdDIzEbzmBWxt3shFyYHC1D-bXuUHrvEF-qifxP_V_Lj4XWAyDc6u3_F3E5jdtHvLr0aZ0vbAlZ_rt2XQvElSTQr969pxWU-YP-qB1K/s400/paco+de+luc%C3%ADa.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5519480164207679442" /></a>
<br />Capítulo 4. Silvio y Luzbel: Rockin’ Tonight
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<br />Estoy convencido, “Live in America” de Paco de Lucía y su sexteto va camino de convertirse en el disco de mi verano. No ha finalizado todavía el mes de julio y creo haberlo escuchado ya cinco o seis veces. Es un CD de 1993 que recoge, con una calidad de sonido espectacular (vibro junto con las propias cuerdas de la guitarra en la telúrica rondeña “Mi niño Curro”), grabaciones en directo en Boston, Nueva York y Oakland (de costa a costa, como en el baloncesto) de Paco de Lucía acompañado por su brillante sexteto. Perfecta integración de esencia flamenca, espíritu jazzístico y percusión latina que, por obra de la alquimia creadora e interpretativa del guitarrista algecireño, produce una aleación sonora de muchísimos quilates. En el interesante libro de Josep Ramón Jove “Vidas de jazz”, Carles Benavent, bajista del sexteto, formado en el jazz y sus músicas aledañas, define con claridad la clave del éxito de su colaboración con Paco de Lucía: “Veníamos de géneros diferentes, pero la expresión era la misma”. Ya entrado agosto, como casi todas las tardes, me siento en el balcón, con la solemnidad del que participa en un acendrado ritual, a contemplar la desaparición de un precioso sol rojizo por entre la verde bóveda de los pinos en la distancia. En ese momento, rasga la atmósfera cero del bochornoso atardecer el estridente sonido de la megafonía ambulante de un vehículo: “Paco de Lucía en concierto el 19 de agosto”. Tras lamentarme porque ese día ya no estaré aquí, reflexiono momentáneamente sobre lo mucho que ha cambiado esta playa desde la primera vez que la pisé, treinta años atrás (“veinte años no es nada”, cantaba Gardel, pero me temo que treinta sí empieza a ser algo). Justo donde el genial intérprete flamenco, estrella con brillo propio a nivel mundial, dará en cuestión de días su concierto ante unas dos mil personas, algo inconcebible no tanto tiempo atrás, hace ya algunos años hizo un bolo veraniego, ante un número reducido de incondicionales, el ya legendario rockero Silvio, verdadero “explorador del abismo” (los vila-matasianos como yo me entenderán). Silvio me abre al completo la espita del recuerdo: aquel verano en que oía sin parar sus ritmos auténticos y febriles y sus impagables letras impresionistas-surrealistas (“Mateo, el niño filipino / los porritos humeando / en la Legión encontraré la solución / sólo ya me queda propio tatuar”); aquel verano de aquel curso en la Facultad en que Silvio nos encandiló con su “Fantasía occidental” y se convirtió en nuestra alma máter musical. Acuden a mí en este momento mágico los versos del poema “En la tarde” de Kavafis: “Un eco de mis días de indulgencia, un eco de aquellos días vuelve a mí, algo del fuego de la joven vida que compartimos”. Hasta aquí llego, no puedo permitir que Silvio, cantante alegre, festivo, pleno de energía vital, me ponga melancólico. Me lanzo a tomar el antídoto: la explosiva versión (con fantásticas pinceladas del inglés torrebabeliano del rockero sevillano incluidas) que Silvio y Luzbel grabaron en 1980 (aunque sin el “good”) de “Good Rockin’ Tonight”, el clásico del rhythm and blues compuesto en 1947 por Roy Brown. Escuchando a Silvio y Luzbel parece que hubieran estado en Sun Records, allá por septiembre de 1954, cuando Sam Phillips aleccionaba a Elvis Presley para que, dejando intacto el blues, se concentrase especialmente sobre el ritmo en su interpretación del tema de Brown. Por cierto, recuerdo todavía lo que en la televisión contestó Silvio a un periodista que le preguntó sobre lo que había hecho el día que murió Elvis: “Me puse mi chupa de cuero y me tomé una botella de anís. Como murió en agosto, no veas qué calor con la chupa". Roy Brown, Elvis, Silvio: “la expresión era la misma”.
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<br />Silvio y Luzbel: Rockin' Tonight
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<br />Silvio y Luzbel: Tri Tri Tristeza
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<br />Elvis Presley: Good Rockin' Tonight
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<br />Paco de Lucía: Mi niño Curro
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<br />Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7826277796456450136.post-57423163349474101162010-09-20T15:16:00.000-07:002010-09-20T15:31:43.775-07:00VUELTA A LAS RAÍCES (Una memoria musical del estío por entregas). Capítulo 3<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_NgO2dAD44hi3YVqpWvTUpxsu6kKqTCecq9ZsPuacpYbi1A_gbQ1HVZWVJCqAi3LeMUwD1ayaUNBkDlSAe8DWY6t1qcKDHBmiU-FSG8obfXr2Zw8eGydDdzI-vHZmocOufrWj-EF0iUJD/s1600/miguel+r%C3%ADos.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 376px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_NgO2dAD44hi3YVqpWvTUpxsu6kKqTCecq9ZsPuacpYbi1A_gbQ1HVZWVJCqAi3LeMUwD1ayaUNBkDlSAe8DWY6t1qcKDHBmiU-FSG8obfXr2Zw8eGydDdzI-vHZmocOufrWj-EF0iUJD/s400/miguel+r%C3%ADos.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5519125601329037330" /></a>
<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1FsoMbz7Jin-jeJ2iMoGTHFnOmck86CoavxelmmUbcYWFe5FjQO6RR1P8R1RI0IiC4qU2sj2uwCB8DsM77TiBOC4MGt00XEuduE6sZDuGoNhV4CxWD5mbJPauF2pdJ3e5PE4fWjzSM3dc/s1600/carreteras+secundarias.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 397px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1FsoMbz7Jin-jeJ2iMoGTHFnOmck86CoavxelmmUbcYWFe5FjQO6RR1P8R1RI0IiC4qU2sj2uwCB8DsM77TiBOC4MGt00XEuduE6sZDuGoNhV4CxWD5mbJPauF2pdJ3e5PE4fWjzSM3dc/s400/carreteras+secundarias.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5519125495309811922" /></a>
<br />Capítulo 3. Miguel Ríos: Memorias de la carretera
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<br />Comienza un videoclip en televisión que consigue atraer mi atención. Una galería de intérpretes del panorama musical hispano (Pereza, McClan, Juanes, Rosendo, Amaral) hacen piña en torno a Miguel Ríos, con el que interpretan un rock and roll bastante ortodoxo, entonando al unísono el melódico estribillo “bye bye, Ríos, goodbye”. Además del evidente sabor a despedida, capto también en el ambiente los efluvios de un sentido homenaje colectivo. Unos días después, en un programa radiofónico veraniego (de esos en los que a falta de otro tipo de contenidos, los culturales parecen convertirse en tabla de salvación), escucho una entrevista con el propio Miguel Ríos. Explica que, tras 50 años de carrera, se retira de la música (“Mike se quiere jubilar” se oía en la canción-homenaje), que siente que ya no tiene las enormes dosis de fuerza que el rock requiere. Se despedirá de su público con una minigira de tres conciertos; para uno de ellos “volverá a Granada” una vez más. Creo que Miguel Ríos debe considerarse un privilegiado: que un rockero pueda tener un retiro feliz, cuidadosamente planificado, a los 66 años no ha sido precisamente la norma entre los músicos de su generación, donde se hizo bastante habitual la jubilación anticipadísima por muerte prematura (léase el interesante libro sobre el tema “Cadáveres bien parecidos” de Jordi Sierra i Fabra y Jordi Bianciotto). Estoy contigo, Miguel, “dejarlo a tiempo es una gran victoria”, como dice la letra de “Bye Bye, Ríos”, sobre todo cuando parece que afortunadamente se ha cumplido aquello que cantabas por 1979, que “los viejos rockeros nunca mueren”. Me acuerdo entonces que, entre mis CDs, me he traído uno de Miguel de 2008, “Solo o en compañía de otros”, jerga criminalista para un disco que podíamos tildar de rarezas: versiones, colaboraciones, etc. El disco se abre con un tema por el que siento debilidad y que cobra en este momento plena actualidad: “Memorias de la carretera”. Es un rock magnífico con letra del propio Miguel y música de Carlos Raya, gran guitarrista y productor musical (de Fito y Fitipaldis en esta última época). La canción combina un rock ampuloso, plateresco, diríase que cuasi-sinfónico con otro más directo, espontáneo, clásico, en un maridaje que creo define en gran parte el estilo de Miguel Ríos y que encontró su máxima expresión en los gloriosos tiempos del “Rock and Ríos”. Es una preciosa canción del recuerdo y de la carretera, donde un Miguel Ríos que parecía iniciar la despedida mira con lucidez hacia atrás: “Llegar a la meta o morder la cuneta. Estrellas fugaces. Flores de desguace. Todo por la gloria que da el escenario. Todo por la patria de vivir sin horario. Tener por bandera una banda rockera y un buen botiquín para la ronquera. Brindar por los sueños de mi alma viajera, y cantar mis memorias de la carretera”. Miguel, que ha vivido la mayor parte de su existencia “en la carretera, aparcado en un blues” y que conoció en primera persona las “carreteras secundarias” del tardofranquismo, bellamente evocadas en la entrañable road movie de Emilio Martínez-Lázaro, nos regala un verdadero himno al estado natural del rockero: el kerouaciano “on the road”. Está claro que para el rockero de verdad se cumple al milímetro la máxima taoísta de que la meta es el camino.
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<br />Miguel Ríos: Memorias de la carretera
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<br /><object style="height: 344px; width: 425px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/zXGXB3wOaOQ?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/zXGXB3wOaOQ?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="425" height="344"></object>
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<br />Miguel Ríos: Bye, Bye, Ríos
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<br /><object style="height: 344px; width: 425px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/9SlZoPd9uUc?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/9SlZoPd9uUc?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="425" height="344"></object>
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<br />Miguel Ríos hace una versión en español de "Route 66" en su programa para TVE "¡Qué noche la de aquel año!"
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<br /><object style="height: 344px; width: 425px"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/GxvEcFlqaJg?version=3"><param name="allowFullScreen" value="true"><param name="allowScriptAccess" value="always"><embed src="http://www.youtube.com/v/GxvEcFlqaJg?version=3" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" allowScriptAccess="always" width="425" height="344"></object>
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<br />Joaquín José Fernández Domínguezhttp://www.blogger.com/profile/17635369615792915631noreply@blogger.com0